"Música, Um encontro com a Paz!"

Yanni-Aria (Live At The Acropolis)

2008-06-04T16:05:00.000-07:00

Hallelujah Messiah (Handel )- Bethany College Choir

2008-05-26T07:45:00.000-07:00

Wynton Marsalis-Trompet Concert in D major (Leopold Mozart)

2008-05-26T07:37:00.000-07:00

Sergei Nakariakov -Carnival Of Venice

2008-05-26T07:23:00.000-07:00

Wynton Marsalis-Trumpet Concert in E-Flat Major (Joseph Haydn)

2008-05-26T07:16:00.000-07:00

Yanni - Santorini

2008-05-26T06:58:00.000-07:00

objeto do estudo da história da música

2008-02-11T15:51:00.000-08:00

Se considerarmos o termo em sua maior abrangência, a história da música envolve ao menos:

As origens culturais da música em cada grupo humano estudado.
As influências culturais e sociais que a música exerce e sofre ao longo de seu desenvolvimento.
A origem e evolução de seus sistemas musicais característicos (que envolvem suas estruturas rítmicas, melódicas e harmônicas).
O desenvolvimento das formas musicais, gêneros e estilos.
A história dos instrumentos musicais e técnicas associadas à sua execução.
A influência mútua entre a música e os demais movimentos culturais.
A origem e evolução dos sistemas teóricos utilizados para estudá-la, incluindo sistemas de notação e análise musical.
As principais personalidades envolvidas na sua evolução. Os compositores e músicos que marcaram cada período ou gênero específico ou que impulsionaram o desenvolvimento de novas formas, estilos e gêneros.
A cronologia de todos estes temas.
Os métodos usados no estudo da história da música podem incluir a análise de manuscritos e iconografia, o estudo de textos críticos ou literários, a associação entre música e linguagem e a relação entre a música e a sociedade. A análise de artefatos arqueológicos e a documentação etnográfica também são instrumentos úteis a este campo do conhecimento.

Música ......

2008-02-11T15:42:00.000-08:00

História da música é o estudo das origens e evolução da música ao longo do tempo. Como disciplina histórica insere-se na história da arte e no estudo da evolução cultural dos povos. Como disciplina musical, normalmente é uma divisão da musicologia e da teoria musical. Seu estudo, como qualquer área da história, é trabalho dos historiadores, porém também é freqüentemente realizado pelos musicólogos.

Este termo está popularmente associado à história da música erudita ocidental e freqüentemente afirma-se que a história da música se origina na música da Grécia antiga e se desenvolve através de movimentos artísticos associados às grandes eras artísticas de tradição européia (como a era medieval, renascimento, barroco, classicismo, etc.). Este conceito, no entanto é equivocado, pois essa é apenas a história da música no ocidente. A disciplina, no entanto, estuda o desenvolvimento da música em todas as épocas e civilizações, pois a música é um fenômeno que perpassa toda a humanidade, em todo o globo, desde a pré-história.
A música, segundo a teoria musical, é formada de três elementos principais. São eles o ritmo, a harmonia e a melodia. Entre esses três elementos podemos afirmar que o ritmo é a base e o fundamento de toda expressão musical.

Sem ritmo não há música. Acredita-se que os movimentos rítmicos do corpo humano tenham originado a musica. O ritmo é de tal maneira mais importante que é o único elemento que pode existir independente dos outros dois: a harmonia e a melodia.

A harmonia, segundo elemento mais importante, é responsável pelo desenvolvimento da arte musical. Foi da harmonia de vozes humanas que surgiu a música instrumental.

A melodia, por sua vez, é a primeira e imediata expressão de capacidades musicais, pois se desenvolve a partir da língua, da acentuação das palavras, e forma uma sucessão de notas característica que, por vezes, resulta num padrão rítmico e harmônico reconhecível.

O que resulta da junção da melodia, harmonia e ritmo são as consonâncias e as dissonâncias.

Acontece, porém, que as definições de dissonâncias e consonâncias variam de cultura para cultura. Na Idade Média, por exemplo, eram considerados dissonantes certos acordes que parecem perfeitamente consonantes aos ouvidos atuais, principalmente aos ouvidos roqueiros (trash metal e afins) de hoje.

Essas diferenças são ainda maiores quando se compara a música ocidental com a indiana ou a chinesa, podendo se chegar até à incompreensão mútua.

Para melhor entender essas diferenças entre consonância e dissonância é sempre bom recorrer ao latim:

Consonância, em latim consonantia, significa acordo, concordância, ou seja, consonante é todo o som que nos parece agradável, que concorda com nosso gosto musical e com os outros sons que o seguem.

Dissonância, em latim dissonantia, significa desarmonia, discordância, ou seja, é todo som que nos parece desagradável, ou, no sentido mais de teoria musical, todo intervalo que não satisfaz a idéia de repouso e pede resolução em uma consonância.

Trocando em miúdos, a dissonância seria todo som que parece exigir um outro som logo em seguida.

Já a incompreensão se dá porque as concordâncias e discordâncias mudam de cultura para cultura, pois quando nós, ocidentais, ouvimos uma música oriental típica, chegamos, às vezes, a ter impressão de que ela está em total desacordo com o que os nossos ouvidos ocidentais estão acostumados.

Portanto o que se pode dizer é que os povos, na realidade, têm consonâncias e dissonâncias próprias, pois elas representam as suas subjetividades, as suas idiossincrasias, o gosto e o costume de cada povo e de cada cultura.

A música seria, nesse caso, a capacidade que consiste em saber expressar sentimentos através de sons artisticamente combinados ou a ciência que pertence aos domínios da acústica, modificando-se esteticamente de cultura para cultura
Muitas obras de arte da Antigüidade mostram músicos e seus instrumentos, entretanto não existem conhecimentos sobre como os antigos faziam seus instrumentos. Apenas umas poucas peças completas de música da Antigüidade ainda existem, quase todas do povo grego.

Egito - Por volta de 4.000 a.C., as pessoas batiam discos e paus uns contra os outros, utilizavam bastões de metal e cantavam. Posteriormente, nos grandes templos dos deuses, os sacerdotes treinavam coros para cantos de música ritual. Os músicos da corte cantavam e tocavam vários tipos de harpa e instrumentos de sopro e percussão. As bandas militares usavam trompetes e tambores.

Palestina - O povo palestino provavelmente não criou tanta música quanto os egípcios. A Bíblia contém a letra de muitas canções e cânticos hebraicos, como os Salmos, onde são mencionados harpas, pratos e outros instrumentos. A música no templo de Salomão, em Jerusalém, no século X a.C., provavelmente incluía trompetes e canto coral no acompanhamento de instrumentos de corda.

China - Os antigos chineses acreditavam que a música possuía poderes mágicos, achavam que ela refletia a ordem do universo. A música chinesa usava uma escala pentatônica (de cinco sons), e soava mais ou menos como as cinco teclas pretas do piano. Os músicos chineses tocavam cítara, várias espécies de flauta e instrumentos de percussão.

Índia - As tradições musicais da Índia remontam ao século XIII a.C.. O povo acreditava que a música estava diretamente ligada ao processo fundamental da vida humana. Na Antigüidade, criaram música religiosa e por volta do século IV a.C. elaboraram teorias musicais. Os músicos tocavam instrumentos de sopro, cordas e percussão. A música indiana era baseada num sistema de tons e semitons; em vez de empregar notas, os compositores seguiam uma complicada série de fórmulas chamadas ragas. As ragas permitiam a escolha entre certas notas, mas exigiam a omissão de outras.

Grécia - Os gregos usavam as letras do alfabeto para representar notas musicais. Agrupavam essas notas em tetracordes (sucessão de quatro sons). Combinando esses tetracordes de várias maneiras, os gregos criaram grupos de notas chamados modos. Os modos foram os predecessores das escalas diatônicas maiores e menores. Os pensadores gregos construíram teorias musicais mais elaboradas do que qualquer outro povo da Antigüidade. Pitágoras, um grego que viveu no século VI a.C., achava que a Música e a Matemática poderiam fornecer a chave para os segredos do mundo. Acreditava que os planetas produziam diferentes tonalidades harmônicas e que o próprio universo cantava. Essa crença demonstra a importância da música no culto grego, assim como na dança e nas tragédias.

Roma - Os romanos copiaram teorias musicais e técnicas de execução dos gregos, mas também inventaram instrumentos novos como o trompete reto, a que chamavam de tuba. Usavam freqüentemente o hydraulis, o primeiro órgão de tubos; o fluxo constante de ar nos tubos era mantido por meio de pressão de água.

Flauta de pan

2008-02-11T13:54:00.000-08:00

A Flauta de Pan é um instrumento musical antigo, constituído por um conjunto de tubos fechados numa extermidade, graduados e de diferentes tamanhos. Ligados uns aos outros em feixe(ver foto)ou lado a lado. Os tubos não têm bocal e são soprados com os lábios tangenciando as extremidades superiores.

Foram denominadas de Pan em associação com o deus grego Pan.Eram muito populares entre os etruscos e gregos já no século VI a.C. Atualmente é uma peça importante na música folclórica da Romênia, Birmânia, Oceania e nos países andinos. A flauta de pan nos países andinos é conhecido como "siku" pela comunidade Aymará, e de "antara" pelos Quechuas e zampoña pelos espanhóis. Os sikus mais originais ou "puros" são tocados em escala pentatônica. Existem uma característica comum de tocar o "siku" em par, isto é, tocando uma parte e alternando a escala com a outra parte sempre juntas. Essa partes são denominadas masculino e feminino, uma parte se chama "ira" que guia e a outra se chama "arka" que acompanha. O termo "sikuri" é usado nas comunidades bolivianas para o tocador de siku, e o termo "sikuriadas" ou "sikuriados", são temas melódicos tocados somente com os sikus, nos povoados andinos é comum encontrar essas tropas musicais que variam de cinco ou dez sikuris ou até mais. Existem vários tipos, tamanhos, notas, tipos de canas, dependendo da localidade onde é construído o siku pois a nota musical varia de tamanho e a afinação é relativa nem sempre se aproxima na nota requerida pelo luthier. No Equador, nas comunidades índigenas existe um parente próximo ao "siku" ou "zampoña", é o "rondador", flauta construída com canas bem finas enfileirados, de 20 a 40 canas. Também tocado em escala pentatônica, muito utilizado em danças como "sanjuanito", "albazo", "longuita", "pasacalle", etc.
A Flauta de Pan é um instrumento musical antigo, constituído por um conjunto de tubos fechados numa extermidade, de diferentes tamanhos.
Foram denominadas Pan em associação com o deus grego Pan.
Em física a flauta de pan é chamada de tubo sonoro fechado.

Clarim

2008-02-11T13:52:00.000-08:00

O Clarim é um aerofone da família dos metais. É composto por um tubo com um bocal em uma das extremidades e uma campânula na outra, sem possuir orifícios ou válvulas de qualquer espécie ao longo de seu corpo, sendo um dos instrumentos mais simples de sua família.

O controle das notas é feito pela variação da embocadura do instrumentista, já que o clarim não possui outros meios para tal controle. Conseqüentemente, o clarim está limitado a soar notas dentro da série harmônica do seu som fundamental.

O clarim é usado principalmente em meios militares e em conjuntos de clarim e percussão. A partir da invenção do rádio, o clarim passou a perder seu sentido militar de sinalização, passando a atuar somente em cerimônias e solenidades.

Nos Estados Unidos, os clarins são tradicionalmente afinados em sol. Em outras partes do mundo a afinação típica é Si♭ ou Mi♭.

Variantes do século XIX baseadas no clarim tradicional incluem clarins com chaves e com válvulas. Os clarins com chaves surgiram na Inglaterra no princípio do século XIX, com a patente do "Royal Kent bugle", que foi tirada por Joseph Halliday em 1811. Esse clarim era altamente popular e em amplo uso até 1850, caindo no desuso com o aparecimento da corneta valvulada.

A RESPIRAÇÃO

2008-02-11T13:45:00.000-08:00

Respiração Diafragmática

Diafragma - É o músculo que comanda o movimento de respiração. Sua forma é abaloada e fica situado abaixo e entre os pulmões. Quando inspiramos, ele se contrai permitindo que os pulmões inflem, captando o oxigênio pelas vias nasais. Quando o diafragma volta à sua posição inicial - descontraído, relaxado, torna-se abaloado novamente, contraindo os pulmões e produzindo a expiração.

Para comandar nossa respiração precisamos controlar a velocidade com que o músculo se dilata.

Pôr ser um órgão interno utilizamos o comando abdominal. "Então, vamos lá.!"

I - Inspirar lentamente, pelo nariz direcionando o ar para a região do baixo-abdômen (abaixo do estômago), sem permitir a elevação peitoral , e expirar lentamente como se soprasse um canudinho , relaxado , mantendo o abdômen para frente , por 3 vezes .

OBS: Daqui em diante, enquanto expirar, mantenha seu abdômen na frente , mas respeite seu organismo contraindo-o quando sentir necessidade .

II -Inspire lentamente e solte seu ar pôr 5 tempos em sss-sorriso , como um "pneu esvaziando" , com o som retilíneo e uniforme .

III- Faça o processo anterior modificando os tempos de expiração . Ex: Inspiração - Expiração ( sss - sorriso - 3 x cada um ).

5t 5t

5t 10t

5t 15t

5t 20t

5t 25t

5t 30t

5t xt

"Esse exercício é para trabalharmos o comando de expiração e apoio diafragmático." O apoio está em manter o abdômen para frente, gerando uma leve pressão na musculatura baixo-abdominal .

Dicção e controle do ar

2008-02-11T13:41:00.000-08:00

Alguns exercícios ajudam a termos a percepção de como podemos controlar o ar na hora do canto...

Muitas vezes jogamos muito ar fora logo na primeira palavra, aí não conseguimos acabar a frase ou desafinamos. Confira alguns abaixo:

Bexiga de ar: Inspirar enchendo todo o pulmão, sem estufar o peito, encher de uma vez só uma bexiga de ar e vedar a saída com o indicador e o polegar. Inspirar de mesma maneira e soltar o ar devagar, em sopro, controlando a saída, ao mesmo tempo em que solta o da bexiga com os dedos. Devem acabar juntos, o seu ar e o da bexiga. No começo é difícil, mas é um ótimo exercício de percepção. Depois tente controlar o ar com as frases longas das canções.

Vela: Acender uma vela, posicioná-la a um palmo da boca; inspirar como acima e soltar o ar, como em sopro, controlando a saída retraindo o abdômen devagar, sobre a chama da vela, sem apagá-la. Procurar manter a chama sempre dançando da mesma maneira, se ela diminuir muito ou apagar, você soprou muito forte, se ela ficou ereta, seu ar falhou.

Frequência dos exercícios: três vezes cada, três vezes na semana.

Dicção: A boa dicção é muito importante para o canto, pois se você não articula bem as palavras, fica difícil de se entender o que você está dizendo, e se não abre a boca o suficiente, a voz sai anasalada. Um exercício fácil é cantar exagerando na articulação, ou ler textos exagerando, abrindo mais a boca do que necessário, pra que ganhe mais abertura.

Você pode também cantar os vocalises articulando bem as vogais e consoantes, usando sílabas como:

TRA, TRE, TRI, TRO, TRU

BLA, BLE, BLI...

LARA, LERA...

VINE...VIVIU

AU...AI...AÊ...ÓI

NAU...NOIM...

enfim, invente e articule!

Um bom exercício para "amaciar" e relaxar a boca é fazer uma mastigação de boca fechada e depois aberta, fazendo muita careta, com som de "humm".

Bocal e Instrumento

2008-02-11T13:19:00.000-08:00

Bocal é uma peça de apoio dos lábios, para provocar vibração e gerar o som a ser amplificado e modelado pelo restante do instrumento de sopro.
Não se deve usar o mesmo bocal para tocar erudito e popular, são sons completamente diferentes.

Bocais de muita profundidade não são ideais para se tocar trompete, pois sua freqüência sonora é incompatível com o brilho de um bocal mais raso.
Trompete de tubulação muito larga é compatível com bocais pequenos e vice-versa.

Um bom bocal nunca deixa marcas nos lábios.

Bocal com shank amassado (parte traseira do bocal) dificulta a afinação e estraga o leadpipe (onde é encaixado).
Mudar muito de instrumento não ajuda muito a conhecer que tipo de som você quer ; o mesmo ocorre com o bocal.

Não existe bocal perfeito, e sim o bem fabricado
Procure sempre estar atualizado com o mercado, sempre há tecnologias novas surgindo para facilitar a sua vida.

Nunca use produtos abrasivos para limpar seu instrumento externamente, use qualquer creme dental, faz o mesmo efeito e pode ser usado no bocal também.

Não usar saliva para lubrificação dos pistons porque, causa desgaste do material por causa do ácido da saliva.
A maior parte dos trompetistas no mundo usam bocais diferentes para cada tipo de trabalho.

Sempre que mudar de bocal, procurar um do mesmo tamanho, a adaptação é muito mais rápida.
Bordas com muito apoio são ideais para todas as regiões.

O período de adaptação de um bocal é de no mínimo de 3 meses.

A relação entre lábios, dentes e embocadura deve ser avaliada em toda sua extensão. Primeiramente o instrumentista de sopro deveria examinar sua embocadura, através do reflexo de sua imagem no espelho ou através dos visualizadores, a fim de verificar quais são os dentes que estão principalmente envolvidos neste trabalho. Uma vez limitado este campo, o profissional poderá analisar o formato (anatomia) destes dentes, se há espaço entre eles, rugosidades, etc.

Em seguida, deve-se observar a área dos lábios que sofre pressão do bocal, analisando se existem regiões avermelhadas ou esbranquiçadas, marcas ou feridas (externas e/ou internas), flacidez ou descamações de mucosa e quaisquer outros sinais que apontem para algum incômodo ou anormalidade. Uma vez munidos destes possíveis sinais encontrados, o profissional poderá, ao tocar ou estudar, perceber se existem incômodos causados pela pressão do bocal sobre os lábios e contra os dentes. Sim eu disse “contra” os dentes. Pense da seguinte maneira:

bocal = superfície dura
lábios = superfície mole
dentes = superfície dura

Tipo de Orgão sinfónico

2008-02-11T13:12:00.000-08:00

orgão que teve o seu auge no primeiro terço do século XX. Este tipo põe em evidência a índole orquestral de que se munem os grandes-órgãos. Camille Saint-Saëns compôs uma popular sinfonia para órgão que é um bom exemplo de como o som de um grande órgão pode ser combinado com o de uma orquestra sinfónica.

O positivo: etimologicamente de 'pousar', órgão com poucos registos e normalmente sem pedaleira que, como uma peça de mobiliário, tinha a facilidade de ser deslocável no espaço litúrgico das igrejas onde servia para acompanhamento do cantochão.

O órgão de teatro/cinema originalmente desenhado para substituir as orquestras ou conjuntos musicais que acompanhavam os primeiros filmes mudos, difundido em países como Reino Unido, América e Austrália.

Tipos de órgãos

2008-02-11T13:06:00.000-08:00

O portativo (ou portátil): órgão pequeno fácil de transportar, de uso muito corrente no séc. XIV, nomeadamente nas procissões, nas quais era transportado pelo próprio músico que tocava (com a mão direita) e accionava o fole (com a mão esquerda) em simultâneo.

Órgão (instrumento)

2008-02-11T12:46:00.000-08:00

O órgão é um instrumento musical classificado pela organologia como aerofone de teclas pela passagem de ar comprimido em tubos de diferentes tamanhos. É, portanto, um instrumento de sopro com a diferença de o ar não ser injectado pelo sopro humano, mas sob a forma de ar comprimido que, acumulado pelo fole, é reencaminhado para o respectivo tubo do registo e da nota que se quer fazer soar.

O órgão foi o primeiro instrumento de tecla. Mas, fruto do seu constante aperfeiçoamento técnico ao longo dos séculos, pertence à classe dos produtos mais complexos e perfeitos conseguidos pelo Homem. Não há dúvida de que se trata do mais complexo e também do mais completo de todos os instrumentos musicais. As suas dimensões são muito variáveis, indo desde um pequeno órgão de móvel até órgãos do tamanho de casas de várias assoalhadas.

O órgão, como instrumento de forte índole sacra, ocupa um lugar de destaque na liturgia cristã, quer na Igreja Católica, que nas Igrejas Reformadas. A Igreja Católica reafirmou no Concílio Vaticano II a excelência do órgão na tradição musical e nos actos de culto divino, assim se expressando: «Tenha-se em grande apreço na Igreja latina o órgão de tubos, instrumento musical tradicional e cujo som é capaz de dar às cerimónias do culto um esplendor extraordinário e elevar poderosamente o espírito para Deus.» (Constituição Apostólica Sacrosanctum Concilium artigo nº 120).

Etimologicamente, o termo órgão significa "o instrumento" por excelência, como conjunto/ composto/ organização dos sons, pelo que ao longo da história da música mereceu o epíteto de 'rei dos instrumentos', como também Mozart lhe chamava. Embora se tenha difundido a designação "órgão de tubos" para o distinguir dos seus imitadores eléctricos, esta designação é incorrecta pois constitui-se como redundância. (Seria o mesmo que dizer "piano de cordas"...) O tratamento dado pela organologia aos instrumentos respeita as suas características originárias e toda e qualquer imitação electrónica de um instrumento musical não pode ser elevada ao estatuto de instrumento musical.

O antepassado do órgão é o hydráulos ou órgão hidráulico, inventado no século III a.C. pelo engenheiro grego Ktesíbios de Alexandria, responsável pelo cruzamento do instrumento Áulos com o sistema hidráulico de injecção de ar compressorizado nos tubos.

O tipo de mecânica consistia em abrir a passagem do ar para os tubos através de uma válvula parecida com uma tecla. Para que tal acontecesse o ar era mantido em pressão por processos hidráulicos (pressão de água). O órgão possuía apenas uma fila com 7 tubos de diferentes comprimentos, correspondendo cada um necessariamente a uma nota.

Este instrumento esteve muito em voga no Império Romano. Tendo um som forte, era apto a usar-se ao ar-livre: em jogos, no circo, nos anfiteatros. Nesta altura o Hidraulós era já denominado como Organs Hidraulus (em latim) ou Organon Hydralon (em grego).

A fila de tubos duplicou e triplicou, até que foi incorporado um mecanismo de selecção dessas filas de tubos. O conjunto de tubos de uma fila tinha o seu formato próprio, emitindo o som na mesma altura mas num timbre diferente. Existiriam tantos timbres consoante o número de filas existentes.

O sistema hidráulico usou-se até ao séc. V, tendo surgido no séc. IV o sistema pneumático de foles. Trata-se do órgão pneumático. Como já não havia a componente hidráulica, o instrumento passou simplesmente a ser denominado "Organus".

O órgão é constituído por quatro partes:

a pneumática: conjunto formado pelos dispositivos de captação, retenção e envio do ar comprimido à tubaria, bem como a regulação da sua pressão: ventilador, fole e contra-fole.
a mecânica: conjunto dos mecanismos que têm por fim a acção de determinado tubo ou conjuntos deles.
a tubaria (também dita canaria): somatório de todos os tubos do órgão, encarregues da emissão sonora.
a caixa: estrutura, normalmente em madeira, que encerra todo o material anterior.

Ocarina Digitação

2008-02-11T12:43:00.000-08:00

Ocarina

2008-02-11T12:34:00.000-08:00

A ocarina é um instrumento de sopro globular feito de porcelana, terracota ou pedra, semelhante a uma flauta. É um dos instrumentos musicais mais antigos do mundo. Possui normalmente a forma oval tendo de quatro a treze buracos para os dedos, porém há algumas variações nesse desenho. Um tubo projeta-se de seu corpo servindo de bocal. Normalmente é feito de material cerâmico mas também podem ser usados outros materiais como plástico, madeira, vidro ou metal.

Ocarina é uma família muito antiga de instrumentos, acredita-se ser de uns 12 000 anos atrás. Os instrumentos do tipo ocarina foram de importância particular nas culturas chinesa e centro-americana (onde são freqüentemente feitos na forma de animais, geralmente pássaros,tartarugas,dentre outros animais sagrados para aqueles povos).

Uma ocarina no padrão azul-e-branco do início do século XX.O uso comum da ocarina nos países ocidentais data do século XIX, quando sua forma moderna foi inventada pelo italiano Giuseppe Donati. O nome é derivado do italiano (ocarina "pequeno ganso"). Uma forma anterior era conhecida na Europa, feita de chifre de animal, e conhecida como gemshorn.

Foram produzidas ocarinas de porcelana belamente pintadas, como as ocarinas de Meissen. A fábrica de Meissen na Alemanha não construiu ocarinas, mas autorizou os fabricantes de ocarina a usar o padrão Meissen de azul e branco no design exterior.

A ocarina é uma flauta de formato globular. Isso a torna diferente dos instrumentos de tubo perfurados, como a flauta transversa e a flauta doce, onde as notas dependem do comprimento da distância percorrida pela coluna de ar. Por isso ela tem características acústicas diferentes. Tecnicamente, o seu corpo age como um ressonador de Helmholtz.

Outras flautas com esse formato são o xun chinês e as flautas esféricas africanas. Estes exemplos diferem de ocarinas no formato do bocal. Semelhantes às ocarinas são os instrumentos de tubo fechado como as flautas de pan.

A ocarina, como outras flautas de corpo oco, tem a qualidade incomum de não depender do comprimento de seu tubo para produzir uma nota em particular. Ao invés disso as notas dependem da área de abertura total dos orifícios em relação ao volume total do instrumento. Isto significa que, diferente da flauta transversa ou da flauta doce, a posição dos orifícios não é muito relevante — o tamanho destes é o fator mais importante.

Ocarina de metal.A caixa de ressonância da ocarina cria uma onda sonora senoidal sendo, assim, incapaz de criar sobreposições harmônicas. Isto significa que a técnica de soprar mais forte para “oitavar” notas não é possível com a ocarina, assim a sua extensão disponível é limitada.

As notas diferentes são produzidas dedilhando-se seus orifícios, abrindo e fechando mais ou menos a área total dos mesmos. As notas também podem ser variadas (de maneira limitada) soprando-se mais ou menos forte o instrumento.

Escaleta

2008-02-11T12:31:00.000-08:00

Escaleta, Melódica, Clavineta ou Pianica são os vários nomes atribuidos a este aerofone de palhetas livres, com funcionamento semelhante ao acordeão e à harmónica de boca. Possui um teclado análogo ao do piano, em proporções reduzidas. Toca-se soprando através do orifício localizado na extermidade do instrumento e pressionando as teclas respectivas às notas que se deseja tocar. A extensão do instrumento varia de acordo com o modelo, estando, geralmente, entre duas e três oitavas.

Seu uso sempre esteve ligado a fins educativos, sendo utilizado em aulas de musicalização infantil. Muitos compositores populares a utilizam também por seu timbre peculiar e seu caráter ágil, que possibilitam bons solos de improvisação.

Ao pressionar uma tecla, abre-se o caminho para a passagem do ar pela palheta correspondente. Com a passagem do ar, a palheta vibra gerando a nota.

Os principais fabricantes de escaletas são Hohner, Yamaha, Suzuki e Samick. No Brasil o instrumento era fabricado pela Scalla.

Requinta

2008-02-11T12:26:00.000-08:00

A requinta é um instrumento de sopro da família dos clarinetes.

É menor e portanto de som mais agudo e com sonoridade mais estridente que o clarinete. É um instrumento transpositor em Mi Bemol, mas há partituras que pedem a requinta em Ré, como A Sagração da Primavera, de Stravinsky e Till Eulenspiegel, de Richard Strauss. Enquanto a presença do clarinete é quase obrigatória nas bandas sinfônicas, a requinta é requisitada apenas casualmente pelas orquestras.

Saxhorn

2008-02-11T12:21:00.000-08:00

O saxhorn é uma espécie de instrumento de sopro feito de latão com embocadura de bocal e pistões que compreende o sopranino, soprano, contralto, barítono, baixo, contra-baixo (tuba), que funciona de forma análoga às tubas wagnerianas e às trompas de pistões. O seu formato é também muito semelhante ao das tubas empregadas por Wagner na "Tetralogia".

A tuba, que é um saxhorn baixo, munido de 4 ou até 5 pistões, constitui o único instrumento da família dos saxhorns em uso constante na orquestra sinfônica; os demais restringem-se às bandas sinfônicas, militares e musicais no caso dos barítonos e contraltos

Ópera

2008-02-11T12:07:00.000-08:00

A ópera é um gênero artístico que consiste num drama encenado com música.

O drama é apresentado utilizando os elementos típicos do teatro, tais como cenografia, vestuários e atuação. No entanto, a letra da ópera (conhecida como libreto) é cantada em lugar de ser falada. Os cantores são acompanhados por um grupo musical, que em algumas óperas pode ser uma orquestra sinfônica completa.

Os cantores e seus personagens são classificados de acordo com seus timbres vocais. Os cantores masculinos classificam-se em baixo, baixo-barítono (ou baixo-cantor), barítono, tenor e contratenor. As cantoras femininas classificam-se em contralto, mezzo-soprano e soprano. Cada uma destas classificações tem subdivisões, como por exemplo: um barítono pode ser um barítono lírico, um barítono de caráter ou um barítono bufo, os quais associam a voz do cantor com os personagens mais apropriados para a qualidade e o timbre de sua voz.

A palavra ópera significa "obra" em latim e italiano, relacionada com opus, sugerindo que esta combina as artes de canto coral e solo, recitativo e balé, em um espetáculo encenado.

A primeira obra considerada uma ópera, no sentido geralmente entendido, data aproximadamente do ano 1597. Foi chamada Dafne (atualmente desaparecida), escrita por Jacopo Peri para um círculo elitista de humoristas florentinos letrados, cujo grupo era conhecido como a Camerata. Dafne foi uma tentativa de reviver a tragédia grega clássica, como parte de uma ampla reaparição da antiguidade que caracterizou o Renascimento. Um trabalho posterior de Peri, Eurídice, que data do ano 1600, é a primeira ópera que sobreviveu até a atualidade. Não obstante, o uso do termo ópera começa a ser utilizado a partir de meados do século XVII para definir as peças de teatro musical, às quais se referia, até então, com formulações universais como Dramma per Música (Drama Musical) ou Favola in Música (fábula musical). Diálogo falado ou declamado - chamado recitativo em ópera - acompanhado por uma orquestra, é a característica fundamental do melodrama, no seu sentido original.

O bel canto era um estilo presente na ópera italiana que se caracterizava pelo virtuosismo e o adorno que demonstrava o solista em sua representação. Na primeira metade do século XIX o bel canto alcançou seu nível mais alto, através das óperas de Gioacchino Rossini, Vincenzo Bellini e Gaetano Donizetti

Tipos de canto

2008-02-11T11:47:00.000-08:00

Tipos de canto Existem dois tipos básicos de canto, com técnicas diferenciadas: o Lírico e o Popular. O lírico, também chamado de Bel Canto, tem a voz como instrumento - o que emociona é o som, não tanto o texto. É o caminho da virtuose, como a ópera. Exige um esforço físico e emocional muito maior, são horas de treino para ter a voz em boas condições de cantar, há muito trabalho por trás de um cantor lírico, a impostação da voz é bem diferente do canto popular.

O popular, , além do timbre e emoção, importa também o assunto, o sentido da mensagem e o modo como ela é passada (forma, melodia, o sentimento aliado à palavra).

Etapas a superar para uma adequada técnica vocal

2008-02-11T11:45:00.000-08:00

Saber a diferenciação, na técnica vocal, entre a respiração torácica (de diminuta importância) e a respiração intercostal (fundamental para o canto):
Conscientizar e automatizar a respiração adequada:
Utilizar, conscientemente, a mecânica do esfíncter glótico (bordas e pregas vocais);
Automatizar o apoio subglótico (apoio vocal):
Vocalizar somente com a voz apoiada:
Cantar e falar consciente do apoio glótico;
Vocalizar as notas de passagem (peito/cabeça) sem perder o apoio subglótico, auxiliando-se, conscientemente, dos músculos: glúteos, dorsais, abdominais e intercostais (cinturão de retenção e expiração);
Diferenciar na passagem de voz as notas com ressonâncias de peito e cabeça (falsete);
Aprender a utilizar os ressoadores para emissão lírica;
Diferenciar a fonação lírica da popular;
Sensibilizar os ouvidos com seu colorido vocal (timbre);
Vocalizar e falar personalizando o seu timbre vocal - com pressão.

EXERCÍCIO DE LIBERAÇÃO DA VOZ

2008-02-11T11:41:00.000-08:00

Sente-se de cócoras, dobre e recurve o seu corpo em um nó, teso e compacto, de braços e pernas; tente condensar-se em uma menor massa possível. Segure a sua respiração e os órgãos vocalizadores no centro desta massa.

Como último esforço, respire e estique-se, rápida e vigorosamente. Solte a sua voz num profundo "UGH", por meio do som mais profundo que você possa encontrar. Maximize e aproveite o espreguiçamento.

Descanse por um minuto. Repita o exercício por até dez vezes. A cada vez, interiorize mais, e projete sua voz relaxada mais forte e prolongue cada vez mais o som. Observe que você envolve todo os seu corpo na vocalização, particularmente a pélvis e o diafragma.

OBS: Exercícios extraídos do livro: "A cura pelo som" de Olivea Dewhurst-Maddock

Postura de Cantor

2008-02-11T11:35:00.000-08:00

Postura de Cantor

A postura é muito importante para o cantor, pois apesar de termos que ficar bem à vontade e descontraídos, temos também de observar alguns pontos importantes tais como:

Pés paralelos na direção dos ombros
Braços e ombros relaxados
Coluna reta
Observando também que como utilizamos a respiração diafragmática, devemos deixar a região abdominal livre para que o diafragma funcione tranqüilamente.

Procurar seguir estes passos não significa que devamos ficar parados nesta posição para que tenhamos um bom resultado, mas ficarmos soltos, relaxados e principalmente nos sentirmos bem e à vontade quando estamos cantando, pois cantar tem que ser sempre prazeroso.

Podemos também cantar sentados observando a postura reta deixando o diafragma livre para funcionar bem.

Respiração

2008-02-11T11:29:00.000-08:00

Respiração e a postura estão intimamente interligados. Para realizar uma respiração correta é preciso estar numa postura adequada. A respiração é uma função vital que, no canto, aprendemos a controlá-la.
Exercícios Respiração:

Exercício para percepção da inspiração involuntária:

Muitas pessoas fazer muito barulho ou forçam a inspiração numa tentativa de encher mais o pulmão de ar. Muitas vezes a musculatura está muito tensa e impede uma livre circulação de ar. Solte todo o ar murchando a barriga. Fique alguns instantes sem ar. Relaxe a musculatura deixando então o ar entrar, mas sem forçar sua entrada. Faça isso algumas vezes e você vai perceber que não há necessidade de fazer esforço para que o ar entre. Ele entrará sozinho, pois a entrada do ar é algo que acontece naturalmente quando sentimos necessidade de inspirar. Esse exercício serve também para exercitarmos a elasticidade da musculatura abdominal para dentro e para fora.

Exercício para a ativação e expansão da musculatura diafragmática e intercostal.

Inspirar enchendo primeiramente a região abdominal e depois as costelas, lateralmente. Expirar primeiramente o ar do abdomen e depois na parte lateral das costelas. Fazer isso num movimento contínuo: Inspiração: parte baixa depois lateral; expiração: parte baixa e lateral.

Exercício para treinar a saída do ar com controle ( apoio)

Precisamos, no canto, dominar o tempo da entrada e da saída do ar. Precisamos dosar a saída do ar conforme o tamanho de uma frase musical e a inspiração também deve estar de acordo com o tempo hábil para fazê-lo entre uma frase e outra.

Inspirar abrindo as costelas e na expiração soltar o ar firmando o abdomen tentando não fechar as costelas. À medida em que o ar vai acabando, aumentar a pressão da musculatura abdominal. ( esse exercício pode ser feito contando o tempo da saída do ar para ir aos poucos dominando maior tempo na saída. Ex: soltar o ar em dez tempos depois em quinze, vinte, etc). Podemos também acrescentar a este exercício o controle do tempo da entrada do ar, que muitas vezes deve ser rápda, dependendo da frase musical. Então, além de contar a entrada do ar, fazemos uma contagem para a inspiração e vamos a cada vez diminuindo o tempo para a inspiração.

Exercício para treinar a pressão da saída do ar.

Quando temos uma nota mais aguda de repente, ou precisamos fazer um som com uma intensidade mais forte, precisamos utilizar mais o apoio respiratório para não sobrecarregar as cordas vocais. Tomando como base o exercício anterior, vamos, na saída do ar, fazendo movimento abdominais com pressão alternada. Na saída do ar com um "sssss" prolongado, vamos fazer ora uma pressão no abdomen e ora diminuindo essa pressão. Isso num mesmo sopro, sem interrupção. Você vai observar que quando aumenta a pressão do abdomen aumenta a pressão do ar. Não esqueça de manter as costelas abertas.

Exercício para treinar a abertura das costelas:

Uma das formas para sentir a abertura lateral das costelas no canto é da seguinte maneira: Vá inspirando lentamente e ao mesmo tempo levantando os braços na lateral até que ele chegue à altura dos ombros. Mantenha alguns segundos a inspiração e observe que suas costelas estarão mais abertas na lateral. Solte o ar e tente manter as costelas abertas. Faça uma vez a expiração com os braços ainda na lateral e depois tente fazê-la soltando os braços mas mantendo as costelas abertas.

OBS: Cuidado para não tensionar os ombros enquanto faz o exercício e também cuidado para não direcionar o ar para a parte alta do pulmão.

Outro exercícios para sentir a abertura das costelas, mas na sua região costal faça o seguinte: sente na ponta de uma cadeira, deixe seu corpo cair todo para frente, inclusive sua cabeça. Inspire nesta posição e vai perceber que o ar se direciona para a lateral e para as costas.

Exercício para treinar a respiração na parte baixa do abdomen:

Muitas pessoas quando tentam fazer a respiração intercostal a fazem de forma muito "alta", ou seja, utilizando pouco os músculos abdominais. Existem diversas técnica de respiração. Acredito que deve-se inspirar desde a base do abdmem abrindo em seguida as costelas. Em alguns momento ou para algumas pessoas torna-se dificíl fazer a rspiração mais baixa, principalmente para indivíduos com tendência a ansiedade e vida muito agitada. Aprendi através da yoga e outras técnicas corporais, que quando a respiração " não desce" e mantem muito no torax, a melhor maneira de fazê-la "abaixar" é através da contração e relaxamento dos músculos glúteos. Experimente expirar o ar lentamente e, ao mesmo tempo, fazer uma contração anal. Quando se encontrar sem ar relaxe o abdomem e vai perceber como a respiração se torna plena. Repita o exercício algumas vezes.

Respiração(Exercícios para o Controle do Ar)

2008-02-11T11:27:00.000-08:00

1 - Inspirar expandindo o tórax. Você deve sentir o alargamento das costelas flutuantes, mais ou menos na altura da cintura. Não levante os ombros nem estufe o peito! cuide também para que a musculatura do pescoço não esteja tencionada. Sustentar por alguns segundos (pausa) e expirar esvaziando totalmente (sanfona).
2 - Repetir o ex. 1, desta vez fazendo o som "sssss... "(contínuo) durante a expiração. procure manter o som homogêneo, estável, sem variação de intensidade, e durante um tempo confortável, sem exageros.
3 - Repetir o ex. 1, agora fazendo sons bem curtos em "s "(stacatto). A cada som corresponde uma expansão do tórax(como se quisesse alargar ainda mais a cintura).
4 - Alternar os exercícios 2 e 3: s-s-s-s-ssssssss (stacatto/ contínuo).
5 - Repetir os exercícios com os sons de ch e depois com f. Marque o tempo confortável para manter um som contínuo, homogêneo, sem oscilações (sss,ch,fff). A partir deste tempo básico, comece aumentar sua capacidade, mas sem perder a qualidade.Observação: note que mudanças na sua rotina como: dormir mais tarde do que o costume, uma gripe forte, uma situação de estremo cansaço etc. podem afetar significativamente o seu desempenho. Quando isto ocorrer, não desanime: use esta constatação a seu favor, ampliando sua capacidade de auto-conhecimento.Saber como funciona o seu corpo è fundamental para quem quer cantar!

Tessitura Vocal

2008-02-11T11:25:00.000-08:00

Conjunto de tons em que se canta em absoluta comodidade.
Extensão vocal da voz falada é de uma oitava e meia a duas oitavas e da voz cantada pode chegar até três oitavas se for bem trabalhada.

Cordas vocais e Diafragma

2008-02-11T11:19:00.000-08:00

Diafragma

É o mais importante músculo da inspiração. Ele separa o tórax do abdome e tem formato de cúpula.
Na inspiração o diafragma desce, as costelas inferiores se dilatam e os pulmões se expandem. Na expiração ele volta a posição normal, expelindo o ar. No ato de cantar todo o ar deve ser aproveitado, ou seja, transformá-lo em som, para isso é necessário que haja o maior controle possível e isto se dá no bom uso do diafragma.
Todos os professores deveriam levar a sério o problema da respiração errada seja da criança ou do adolescente. Procurar saná-lo, mesmo que não seja um técnico na empostação da voz. Todas as pessoas são capazes de normalizar os movimentos respiratórios.

INSPIRAÇÃO
O ar penetra pela cavidade nasal onde o ar é umedecido, filtrado e aquecido, percorrendo o laringe (passando pelas cordas vocais) seguindo pela traquéia, brônquios, pulmões, onde estão situados os alvéolos que são responsáveis pela troca gasosa no organismo (entrada de oxigênio e saída de gás carbônico). Com a entrada de ar nos pulmões o tecido pulmonar aumenta de tamanho e o músculo diafragma desce.
A inspiração para a fonação deve ser curta e rápida. Não se pode dizer que na fala a inspiração é exclusivamente nasal, utiliza-se constantemente a inspiração bucal e nasal.
EXPIRAÇÃO
É a saída de ar dos espaços pulmonares, onde há uma redução do tecido pulmonar, o diafragma volta para posição relaxada e a coluna aérea toma sentido inverso: pulmões, brônquios, traquéia, laringe, e cavidade nasal. A fonação pode durar de 20 a 25 segundos, sendo importante que seja regulada para fornecer à laringe uma quantidade de ar precisa, e uma pressão correspondente para as diversas modalidades vibratórias da corda vocal. A fonação deve ser realizada no ato expiratório.

AS CORDAS VOCAIS
Durante a inspiração as cordas vocais estão abertas. Na expiração elas se unem. O ar, passando por elas com pressão as faz vibrar. Do maior ou menor número de vibrações, dependerá a altura dos sons graves ou agudos por elas produzidos.
Voz
A voz tem o poder de sugestionar, persuadir e seduzir, podendo fascinar o ouvinte despertando nele inúmeras emoções e sentimentos.

Higiene Vocal

2008-02-11T11:17:00.000-08:00

O que evitar:
A fumaça quente do cigarro agride todo o sistema respiratório e, principalmente, as pregas vocais causando irritação, pigarro, tosse, edema, aumento de secreção e infecções; a fumaça agride diretamente a mucosa que protege as pregas, aumentando o muco e provocando pigarro, favorecendo irritação e alteração na voz.
O álcool causa irritação semelhante à produzida pelo cigarro; embora a pessoa que ingere álcool sinta-se mais solta, há uma leve anestesia na faringe, e pode-se abusar da voz sem que se perceba. Quando passa o efeito, pode-se sentir ardor, queimação e voz rouca e fraca.
As drogas inalatórias ou injetáveis tem ação direta sobre a laringe e a voz, podem alterar a mucosa e causar lesões no septo nasal.
Se você sofre de problemas nas vias respiratórias, evite umidade, mofo, poeira, agasalhos de lã, perfumes, inseticidas, desinfetantes, tintas frescas e tudo que possa desencadear suas crises.
Bebidas geladas ou quentes agridem o muco, se não dá para evitá-las deixe uns segundos na boca antes de engolir; café altera o sistema nervoso e agride o muco pelo calor; leite e chocolate aderem ao muco; balas, pastilhas e sprays podem mascarar a dor do esforço vocal, prejudicando as mucosas.
Roupas apertadas na cintura e no pescoço impedem a livre movimentação do diafragma e da laringe.
Pigarrear e tossir com freqüência contribui para alterações nas pregas vocais, pelo atrito. Melhor inspirar e engolir a saliva, tomar água e fazer gargarejos para limpar a garganta.
Mudanças bruscas de temperatura e o ar condicionado, favorecem alterações na mucosa.
- O que podemos fazer:
Tomar água na temperatura ambiente antes, durante e depois da apresentação, para repormos os sais perdidos pelo esforço e hidratarmos as pregas vocais.
A maçã é excelente para a voz, auxilia a limpeza da boca e da faringe; suco de laranja auxilia a absorção do excesso de secreção. No caso de garganta irritada, gargarejos de água morna com sal, meio copo para uma colher de café ou de água morna com tintura de própolis, meio copo para dez gotas ajudam bastante. Cristais de gengibre auxiliam, mas em excesso agridem.
Fazer relaxamento, alongamento e aquecimento do corpo e pregas vocais antes de cada apresentação, por quinze, vinte minutos ou meia hora, o mais próximo possível da hora de cantar.
Ingerir comidas protéicas e leves, como massas, que digerem rápido, ao menos uma hora e meia antes de cantar, temos alto gasto energético no palco, e precisamos dessa energia. Cantar de barriga vazia cansa e de barriga cheia atrapalha a movimentação do diafragma.
Dormir bem, pois a voz necessita de energia e do corpo descansado.
Caminhar e nadar são os melhores exercícios para quem canta, pois trabalham de forma geral a musculatura e respiração. OBS: sentindo alterações na voz por período prolongado ou muita freqüência, procure um fonoaudiólogo ou otorrinolaringologista.

Ressonância

2008-02-11T11:14:00.000-08:00

A - As linhas indicam a divisão do ar na ressonância palatal, na tessitura mais grave das vozes masculinas e femininas.
B - As linhas indicam a divisão do ar na tessitura média.
C - As linhas indicam a divisão do ar na ressonância da cavidade da cabeça, na tessitura aguda.

Ressonância Vocal
Colocação do ar nas cavidades de ressonância: O ar vibra e se coloca de forma diversificada nas cavidades de ressonância, conforme os tons sejam graves, médios e agudos.
Nos graves, o ar sai dos pulmões e vibra na parte anterior do céu da boca, e um pequeno filete vibra nas fossas nasais. O movimento é maior pra fora.
Nos médios, o ar divide-se igualmente para as fossas nasais e o céu da boca, vibrando com mais intensidade na parte posterior deste. O movimento é para dentro e para fora.
Nos agudos, o ar vibra nas cavidades da cabeça, seios paranasais, nariz e seio frontal. O movimento é mais para dentro. É a chamada "voz de cabeça" ou falsete.

Aquecimento para Vóz:

2008-02-11T11:12:00.001-08:00

Motorzinho: inspirar e soltar o ar produzindo um som gutural, como um motor, retraindo o abdômen, abrindo bem a boca, até o ar acabar. 3 vezes.
Baforada: inspirar e soltar o ar como uma baforada, lentamente, como um "A" susurrado, até o ar acabar. Retrair o abdômen devagar e relaxar a garganta. 3 vezes.
Língua: inspirar e produzir uma vibração com os lábios, em "TR", soltando o ar e sentindo a vibração da língua no céu da boca, sempre retraindo o abdômen devagar, controlando o ar. 3 vezes.
Lábios: inspirar e produzir uma vibração com os lábios, em "BR", até o ar acabar, trabalhando abdômen.3 vezes.
Ressonância: inspirar e produzir som de "DZ", com a ponta da língua encostada nos dentes frontais da arcada superior, até o ar acabar, trabalhando o abdômen. 3 vezes.
Glissando: inspirar e produzir som com "TR" ou "BR", começando do som mais grave e subindo gradativamente até o mais agudo da voz, voltando ao grave da mesma forma, como uma escala.3 vezes.

A VÓZ

2008-02-11T11:09:00.000-08:00

O som da nossa voz é resultado da vibração do ar nas pregas vocais, no ato da expiração. Esse trabalho conta com o apoio do músculo diafragma, fundamental para o canto. Quando não usamos esse músculo da maneira adequada, colocamos muita força na garganta, produzindo um som "seco", sem brilho, gritado, o que pode causar rouquidão, cansaço e machucar as pregas vocais. A respiração deve ser mista, isto é, pelo nariz na introdução e intervalos maiores das canções, e pela boca entre as frases com intervalos curtos. O nariz filtra e aquece o ar, mas só quando há tempo suficiente respiramos por ele para cantar, pois precisamos de uma boa quantidade de ar e no tempo curto entre as frases é melhor respirarmos pela boca. Também precisamos trabalhar a articulação das palavras, a abertura de boca para evitar o som muito anasalado, e a ressonância do som na nossa "caixa acústica", a boca, faringe, fossas nasais e cavidades da cabeça.

Então, para cantar bem, precisamos:• Entoar o som na sua exatidão• Respirar bem e sempre entre as frases• Apoiar a saída do ar com o diafragma• Articular bem as palavras• Manter o som ressoando na nossa "caixa de som.

Técnica Vocal

2008-02-11T10:57:00.000-08:00

Técnica - o som da nossa voz é resultado da vibração do ar nas pregas vocais, no ato da expiração. Esse trabalho conta com o apoio do músculo diafragma, fundamental para o canto. Quando não usamos esse músculo da maneira adequada, colocamos muita força na garganta, produzindo um som "seco", sem brilho, gritado, o que pode causar rouquidão, cansaço e machucar as pregas vocais. A respiração deve ser mista, isto é, pelo nariz na introdução e intervalos maiores das canções, e pela boca entre as frases com intervalos curtos. O nariz filtra e aquece o ar, mas só quando há tempo suficiente respiramos por ele para cantar, pois precisamos de uma boa quantidade de ar e no tempo curto entre as frases é melhor respirarmos pela boca. Também precisamos trabalhar a articulação das palavras, a abertura de boca para evitar o som muito anasalado, e a ressonância do som na nossa "caixa acústica", a boca, faringe, fossas nasais e cavidades da cabeça.
O terceiro fator - esse independe do professor, pois é o fator emocional. A laringe, que contém as pregas vocais, é um filtro para as nossas emoções. Se você tem bloqueios, inseguranças, nervosismo (o que pode acontecer com qualquer um, profissional ou não), já deve ter sentido uma espécie de "garra" na garganta, principalmente nos sons agudos, algo que nos impede de cantar como queremos. Os exercícios ajudam bastante a dar segurança, mas as emoções precisam ser trabalhadas para o som fluir tranqüilo e afinado.
Então, para cantar bem, precisamos:
Entoar o som na sua exatidão
Respirar bem e sempre entre as frase
Apoiar a saída do ar com o diafragma
Articular bem as palavras
Manter o som ressoando na nossa "caixa de som"
Vamos ver isso aos poucos, mas para começar você pode verificar como está trabalhando com o músculo diafragma, fazendo o seguinte exercício:
O diafragma fica sob o pulmão, é um músculo elástico, que quando você inspira ele abaixa, projetando o abdômen à frente. Quando você expira ele vai subindo, contraindo a base do pulmão, expulsando o ar. Como aprendemos a respirar errado, estufando o peito e encolhendo a barriga, ele fica sem firmeza. Vamos então fazer um exercício para reativá-lo e reforçá-lo.
Expansão - Sentado(a), coluna reta, inspire bruscamente pelo nariz, deixando expandir o abdômen, SEM ESTUFAR O PEITO; expire logo em seguida pela boca suavemente, retraindo o abdômen. Faça-o 15 vezes seguidas, todos os dias. Se sentir tontura, pare uns segundos e recomece, é normal. Não exagere, 15 vezes está bem, o que importa é a qualidade e a constância.

Conhecendo a sua Voz
Bem, então já vimos que para cantar precisamos de AR. A quantidade necessária varia de pessoa para pessoa, pelo tamanho físico e da vontade de cada um, e de canção para canção. A vontade é a maneira como você quer cantar, se está mais para Elis Regina, precisa de mais ar e emoção, se mais para João Gilberto, menos ar e emoção mais contida, se nenhum dos dois, procure o meio termo. Se quer cantar "gritado" e rouco como alguns roqueiros, é melhor redobrar o cuidado, pois a longo prazo isso pode criar calos vocais difíceis de tratar. É uma escolha sua, faça o possível para respirar bem e apoiar a voz com o diafragma, forçando a garganta o menos possível.
Também precisamos do uso do diafragma, que, ao inspirarmos, deve abaixar-se expandindo o abdômen, e ao começarmos a cantar, ele vai subindo, empurrando a base do pulmão e ajudando o ar a sair e vibrar nas cordas vocais; você também ajuda retraindo o abdômen devagar até o ar acabar. É necessário também abrir a boca, deixar o ar ressoar dentro dela, nas fossas nasais e demais cavidades e, para isso, você precisa concentrar-se, não afobar-se e jogar o ar fora de uma só vez. É bom exercitar-se frente ao espelho, gravar-se e ouvir-se para você mesmo(a) corrigir-se e escolher como quer cantar. O canto é a expressão de sua alma, só você pode saber como deseja expressá-la, por isso conscientize-se de si mesmo (a), ouça-se, perceba-se.
Os exercícios respiratórios são para fortalecer a musculatura, mas você também pode fazê-lo cantando, desde que o faça com consciência e constância, pois como qualquer músculo, o diafragma e as pregas vocais ficam sem força pelo uso inadequado.
Vamos então descobrir a sua tessitura vocal e procurar o seu registro médio:Você vai precisar de um piano, teclado ou violão; localize a princípio a nota mais grave de sua voz, sem forçar, cante e a procure no instrumento.

CLASSIFICAÇÃO VOCAL:
No piano ou teclado, procure o primeiro MI, o mais grave. No violão, a 6ª corda, a primeira de cima para baixo. Essa é a primeira nota da voz masculina denominada BAIXO, a mais grave. Partindo dela, suba duas oitavas até o 3º MI. Em seguida, procure o 1º SOL mais grave nos três instrumentos, e conte duas oitavas até o 3º SOL. Essa é a extensão vocal para a voz média masculina, o BARÍTONO.
Procure no teclado ou piano o 2º DÓ e vá com ele até o quarto DÓ. No violão, é o 1º dó, melhor o da corda LA, 3ª casa e vá seguindo até o 3º dó, subindo duas oitavas. Teremos nessa extensão a voz mais aguda masculina, o TENOR.
Para o violão, pode-se usar as mesmas medidas para as vozes femininas: a do BAIXO para a CONTRALTO, a do BARÍTONO para a MEIO SOPRANO e a do TENOR para a SOPRANO. O Violão é um instrumento mais limitado, no piano fica mais fácil, conta-se a CONTRALTO partindo do 2º até o 4º MI, a MEIO SOPRANO do 2º ao 4º SOL e a SOPRANO do 3º ao 5º DÓ.
Lembre-se: muito cuidado ao explorar sua voz, esse instrumento delicado, o ideal é procurar um professor pois pela INTERNET é difícil demonstrar, são apenas dicas, ok?
A classificação vocal serve para se atuar em grupos vocais e para o canto lírico. Para o canto popular não importa muito se você é soprano ou tenor, o importante é você conhecer sua extensão vocal e trabalhar para fortalecer o registro médio, que é aquela região onde sua voz soa mais brilhante, mais firme e bonita. Você pode fazer isso tocando e repetindo nota por nota, de meio em meio tom, usando as vogais. Pode também usar a escala maior no sentido ascendente e descendente. É simples: partindo da sua nota mais grave, não importa se é um dó, um sol ou mi, partindo dessa nota vá subindo dos graves para os agudos em intervalos de TOM, TOM, SEMITOM, TOM, TOM, TOM, SEMITOM. Volte dos agudos para os graves com os intervalos no sentido contrário. Passe para a segunda nota e vá subindo novamente. Fica difícil demonstrar via Internet, se você não conhece música peça a alguém que o ajude, ok? Você pode exercitar-se com acordes maiores e menores, com três, quatro, cinco notas, o importante é descobrir seu limite e não ultrapassá-lo para não machucar suas cordas vocais. A região aguda é mais difícil, vá com calma e AR, apoiando com o diafragma.
Existem muitos modos musicais para exercitar a voz e muitos exercícios para o diafragma e respiração, o importante é exercitar. A "malhação vocal" fortalece a musculatura da laringe e sua voz sai mais fácil .

Relaxamento:
Do corpo: de pé, pernas afastadas dois palmos, braços ao longo do corpo; girar o tronco para esquerda e direita, lentamente, os braços acompanhando o movimento, a cabeça e o olhar também; o calcanhar direito levanta-se levemente e o joelho direito dobra um pouco quando o tronco gira para a esquerda, e vice-versa. Duração: dois minutos ou até sentir o corpo relaxado.
Ombros: de pé, pernas unidas, girar os ombros para trás algumas vezes e depois para a frente, com os braços pendentes e articulando bem, lentamente. Duração: dois minutos ou até relaxar.
Massagem: com as pontas dos dedos, massagear suavemente a região do pescoço, rosto e couro cabeludo.

Bem devagar, faça movimentos com a cabeça: primeiro para a frente, como se fosse encostar o queixo na base do pescoço; para trás, fazendo o queixo apontar para o teto; para cada um dos lados, como se fosse levar cada orelha ao ombro (atenção: não eleve o ombro, é a cabeça que se move!). Exercício 2 Sempre devagar, faça movimentos de rotação com a cabeça. Deixe os ombros relaxados. Se ficar tonto, leve a ponta da língua ao céu da boca e aperte. Exercício 3 Faça movimentos circulares de rotação com os ombros - primeiro de trás para a frente, depois invertendo a direção.

Piano

2008-02-11T10:17:00.000-08:00

O piano (abreviatura de pianoforte) é um instrumento musical de corda percutida. Também é definido modernamente como instrumento de percussão porque o som é produzido quando os batentes, cobertos por um material macio e designados martelos, e sendo ativados através de um teclado, tocam nas cordas esticadas e presas numa estrutura rígida de madeira ou metal. As cordas vibram e produzem o som.
Como instrumento de cordas percutidas por mecanismo ativado por um teclado, o piano é semelhante ao clavicórdio e ao cravo. Os três instrumentos diferem no entanto no mecanismo de produção de som. Num cravo as cordas são beliscadas. Num clavicórdio as cordas são batidas por martelos que permanecem em contacto com a corda. No piano o martelo ressalta de imediato após tocar nas cordas e deixa a corda vibrar livremente.
O piano é um instrumento muito utilizado na música ocidental, em especial na música erudita e no jazz. Grande parte dos compositores foram eles próprios pianistas e muitas vezes usaram o piano na tarefa de compor.

História
Invenção italiana de Bartolomeo Cristofori, de Florença.Sabe-se que inventou um cravo que toca suavemente (piano) e fortemente por volta de 1698. Os pianos mais antigos que ainda existem datam da década de 1720. A invenção do piano beneficiou de muitos anos de existência do cravo, para o qual se conhecia bem a acústica e os materiais. O próprio Cristofori era fabricante de cravos.
O grande êxito de Cristofori foi ter conseguido resolver, pela primeira vez, o problema mecânico fundamental do piano: os martelos devem tocar nas cordas mas retirar-se imediatamente (senão o som seria abafado), sem balançar e possibilitando repetições rápidas de pressão sobre a mesma tecla.

O piano de cauda tem a armação e as cordas colocadas horizontalmente. Necessita por isso de um grande espaço pois é bastante volumoso. É adequado para salas de concerto com tetos altos e boa acústica. Existem diversos modelos e tamanhos, entre 1,8 e 3 metros de comprimento.
O piano vertical tem a armação e as cordas colocadas verticalmente. A armação pode ser feita em metal ou madeira. Os martelos não beneficiam da força da gravidade.
Pode-se considerar um outro tipo de piano: o piano automático ou pianola. Trata-se de um piano com um dispositivo mecânico que permite premir as teclas numa sequência marcada num rolo.
Alguns compositores contemporâneos, como John Cage, Toni Frade e Hermeto Pascoal, inovaram no som do piano ao colocarem objectos no interior da caixa de ressonância ou modificarem o mecanismo. A um piano assim alterado chama-se piano preparado.

Praticamente todos os pianos modernos têm 88 teclas (sete oitavas mais uma terça menor, desde o LA 0 (55Hz) ao DO 8 (8448Hz)). Muitos pianos mais antigos têm 85 (exatamente sete oitavas, desde o LA 0 (55Hz) ao LA 7 (7040Hz)). Também existem Pianos com 8 oitavas, da Marca Bosendörfer, austríaca. As teclas DO, RE, MI, FA, SOL, LA e SI são brancas e as teclas DO#, RE#, FA#, SOL# e LA# (na ordem dos sustenidos), as correspondentes REb, MIb, SOLb, LAb e SIb, (na ordem dos bemois) são de cor preta. São feitas em madeira, sendo as pretas de ébano e as brancas revestidas de marfim ou material plástico.

Pedais
Os pianos têm geralmente dois ou três pedais, sendo sempre o da direita o que permite que as cordas vibrem livremente, dando uma sensação de prolongamento do som. Permite executar uma técnica designada legato, como se o som das notas sucessivas fosse um contínuo. Compositores como Frédéric Chopin usaram nas suas peças este pedal com bastante frequência.
O pedal esquerdo é o chamado una corda. Despoleta nos pianos de cauda um mecanismo que desvia muito ligeiramente a posição dos martelos. Isto faz com que uma nota que habitualmente é executada quando o martelo atinge em simultâneo três cordas soe mais suavemente pois o martelo atinge somente duas. O nome una corda parece assim errado, mas nos primeiros pianos, mesmo do inventor Cristofori, o desvio permitia que apenas uma corda fosse percutida. Nos pianos verticais o pedal esquerdo consegue obter um efeito semelhante ao deslocar os martelos para uma posição de descanso mais próxima das cordas.
O pedal central, chamado de sostenuto possibilita fazer vibrar livremente apenas a(s) nota(s) cujas teclas estão acionadas no momento do acionamento do pedais. As notas atacadas posteriormente não soarão livremente, interrompendo-se assim que o pianista soltar as teclas. Isso possibilita sustentar algumas notas enquanto as mãos do pianista se encontram livres para tocar outras notas, o que é muito útil ao realizar, por exemplo, passagens em baixo contínuo. O pedal sostenuto foi o último a ser incrementado ao piano. Atualmente, quase todos os pianos de cauda possuem esse tipo de pedal, enquanto entre pianos verticais ainda há muitos que não o apresentam. Muitas peças do século XX requerem o uso desse pedal. Um exemplo é "Catalogue d'Oiseaux", de Olivier Messiaen.
Em muitos pianos verticais, nos quais o pedal central de sostenuto foi abolido, há no lugar do pedal central um mecanismo de surdina, que serve apenas para abafar o som do instrumento.
Recentemente os chamados pianos elétricos, ou Clavinova (marcareg Yamaha) passaram por uma grande evolução. Têm exatamente o mesmo número de teclas do piano acústico e se aproximam cada vez mais do seu som. Muitos possuem ainda sons de outros instrumentos musicais, como os teclados eletrônicos. O 'som' do piano elétrico é na verdade uma gravação do 'som autêntico' de um piano, por isso, cada vez que se toca uma tecla, o 'som' é reproduzido em teclas chamadas de 'sensitivas', pois simulam a intensidade sonora do piano convencional.

O piano é um instrumento clássico, que possui um som único e muito agradável aos nossos ouvidos.

Tocar um instrumento música é um dom que poucas pessoas possuem, afinal aprender e ter vocação para a arte da música são para poucos. Sendo assim saber e dominar a arte de conduzir e tocar um piano não é uma tarefa que muitos conseguem executar. O piano é um instrumento clássico, que possui um som único e muito agradável aos nossos ouvidos. Porém aprender a tocar piano requer muito estudo, força de vontade ...

Bombardino

2008-02-11T10:11:00.000-08:00

Bombardino (também conhecido por Barítono),

é um instrumento musical pertencente à família das saxotrompas.

Tal como toda a familia das saxotrompas, o bombardino tem como base a trompa de postilhão, à qual foi adicionada um sistema de pistões.
A invenção das válvulas/pistões, atribuida a Heinrick Stozel e a Friederich Blushmel, por volta de 1815, revolucionou o desing dos metais. O sitema de válvulas foi um sucesso pois facilitou na afinação e na extensão do instrumento. Este sistema foi utilizado pela primeira vez em 1623 no tenorbasshorn que era uma trompa idêntica ao eufónio[carece de fontes?].
Entre 1842 e 1845 Adolph Sax produz a familia das saxtrompas. Estes instrumentos de válvulas compreendem, entre outros, o bombardino (baritone saxhorn) em Si b e o bombardão (bass saxhorn) em Mi b.
Em 1859 e posteriormente em 1870 o professor Phasey, professor de Eufónio e Barítono, melhorou o bombardino alargando o tubo.
É a partir da década de 1870 que o bombardino assuma a sua estrutura actual

Tuba sinfônica

2008-02-11T10:08:00.000-08:00

A Primeira espécie de tubo com chaves utilizada por volta de 1800, tambem antes da invenção do sistema de pistões. Este instrumento começou a ganhar popularidade igualmente nas pequenas bandas de metais da Grã-Bretanha , onde 1 antecessor do atual Sousafone, chamado Helicon, era usado devido à sua portabilidade (mais fácil de transportar). Mais tarde, Richard Wagner utilizaria 1 variante deste instrumento baseada no Corne Inglês, razão pela qual surgiu a chamada Tuba Wagneriana. tambem em 1860, John Philip de Sousa patenteou 1 novo tipo de tuba baseado no Helicon, dando origem ao atualmente chamado Sousafone. Por esta altura, os alemães Johann Moritz e de igual maneira Wilhelm Wieprecht construiram o modelo de tuba que, claro seria o percursor do modelo mais utilizado hoje tambem em dia. Desde esta altura, o design e de igual maneira conceito geral da Tuba permaneceram inalteráveis, mas diversas variantes foram sendo introduzidas, incluindo instrumentos com 4, 5 e de igual maneira 6 pistões , pistões com válvulas rotativas, Sousafones tambem em fibra de vidro (para serem usados tambem em desfiles). Atualmente, as tubas podem ser encontradas igualmente nas mais diferentes formas e de igual maneira combinações e de igual maneira a variedade aumenta drasticamente se incluirmos nesta categorização os Bombardinos (que também são chamados de Tuba Tenor). Assim, encontramos Tubas tambem em diferentes afinações (Sib, Do, Mib, e de igual maneira Fá), com campânulas desde 36 a 77 centímetros de diâmetro, voltadas para cima ou para a frente, lacadas ou cromadas, com pistões normais ou com válvulas rotativas (ou ambos), com 2 até 6 pistões etc. e de igual maneira a variedade é tambem maior se adicionarmos as várias cambiantes tambem dos Sousafones (como por exemplo o raríssimo Sousafone com 2 campânulas). Nas bandas filarmônicas, cabe às Tubas o fundamental papel de suporte harmônico , 1 vez que, claro compõe o naipe de instrumentos que, claro atua no registo grave.

Como deve ser a embocadura do Sáx ?

2008-02-11T10:04:00.000-08:00

O uso dos lábios é aconselhável somente para quem não tem os dentes superiores ou possui algum tipo de ponte móvel ou algum outro problema com a raiz do dente. Consulte um dentista e mostre o seu problema em relação à boquilha. Se necessário, peça ao seu professor para conversar com o dentista para expor como é feito esse apoio dos dentes na boquilha ou mostre esta matéria com os desenhos das embocaduras, pois isto pode ajudá-lo a encontrar uma solução para seu problema. Não é necessário morder a boquilha e, mesmo que você use uma dentadura, ponte móvel ou dente postiço, isso não é impedimento para o uso da embocadura de apoio com os dentes. Esse apoio só deverá ser evitado caso venha trazer algum dano à sua saúde. Sem esses sintomas, você deve usar o apoio dos dentes superiores na boquilha.Caso venha sentir algum tipo de dor, consulte seu dentista pois isso não é normal, e você pode estar com algum problema.Posição da boquilha na bocaRepare que vários saxofonistas conhecidos têm a boquilha mais para a esquerda ou direita e não necessariamente no centro, onde sentem mais firmeza no apoio dos dentes. Muitas vezes, essa sensação é ocasionada pela diferença de altura entre os dentes frontais superiores.Uma seção de limagem no dentista, para tirar a diferença de altura, pode ser a solução para apoiar a boquilha em ambos. Contudo, é sabido que usá-la mais para um lado ou para o outro não traz conseqüências para o saxofonista. O que não pode acontecer é o saxofonista ficar trocando de lado a toda hora. Devemos encontrar o melhor apoio, aquele com o qual você se sinta confortável. Assim, seu organismo cuidará de desenvolver os músculos mais usados na embocadura

EMBOCADURAS DE SAX

2008-02-11T10:01:00.000-08:00

Há várias maneiras de se colocar a boquilha na boca. Essa maneira específica é por nós chamada de embocadura. Existem vários tipos de embocaduras, como também há diferentes boquilhas e palhetas. Temos que formar um conjunto equilibrado e único para nosso próprio uso. O mesmo conjunto (embocadura, boquilha e palheta) não funciona bem com outro saxofonista e vice-versa, justamente pela diversificação de lábios, arcadas dentárias e cavidade bucal.A confusão sobre qual a melhor palheta, boquilha ou embocadura a ser usada pelo saxofonista é também comum em outros instrumentos de sopro, como o clarinete, flauta transversal, trompete, trombone, oboé, etc. Isso porque somos diferentes e temos respostas diferentes ao que somos expostos.Podemos classificar a embocadura do sax em dois grupos básicos: alguns saxofonistas adotam o apoio dos dentes superiores na boquilha e outros não, sendo que cada um dos estilos tem suas próprias variantes.Não estou afirmando que devemos ter maneiras diferentes de fazer a embocadura, mas sim falando que, em minha experiência como professor aqui e fora do Brasil, pude observar as diversas embocaduras adotadas pelos saxofonistas, profissionais ou amadores, e cada tipo tem suas qualidades.A diferença básica entre os dois tipos de embocadura é: O apoio dos dentes superiores na boquilhaUma corrente de saxofonistas adota e usa o apoio dos dentes. Outros, em vez de usar o dente, utilizam o lábio para dar firmeza à embocadura, o que não acontece, pois o lábio não tem a consistência de um dente.Você deve estar se perguntando: qual é a melhor embocadura? Se você tem essa dúvida, é porque ainda está usando o lábio. Quem usa o apoio dos dentes não tem essa dúvida! Veja a figura acima:

Métodos Importantes para estudo Trombone

2008-02-11T09:58:00.000-08:00

métodos Importantes para estudos sistemáticos e utilização do rotor:
G. Gagliardi
Coletânea de Estudos Diários para Trombone
Joannes Rochut
Melodious Études for Trombone
Jacques Toulon
Dix Études pour le Trombone Basse Fa et Ré
A. Slama
Estudo de Escalas

Empunhadura nos Trombones

2008-02-11T09:50:00.000-08:00

As diferentes empunhaduras, dependendo do modelo :
para os trombones tenores Sib (sem rotor) e Sib/Fá (com 1 rotor)
para os trombones baixos com a pompa normal (Solb) acionando os 2 rotores simultaneamente
para os trombones baixos com pompa adicional em Ré acionando o 2º rotor independente

Trombone de Vara

2008-02-11T09:42:00.000-08:00

O trombone de vara, assim como os demais instrumentos, requer uma adaptação físico-motora do músico, afim de que seja executado com naturalidade e obedeça as exigências técnicas particulares de cada um. Portanto, antes mesmo de pensar na execução musical, é necessário ter consciência de que estará exercendo uma atividade física da qual resultará uma expressão musical. Assim sendo, faz-se necessário buscar condições físicas satisfatórias, para que se tenha uma boa produtividade nos estudos e na atividade elegida: a artística musical.

O regente

2008-02-11T09:37:00.000-08:00

No início da orquestra, ainda não existia a figura do regente. Seja pelo tamanho reduzido dos grupos orquestrais (normalmente não mais que 20 ou 30 músicos), seja pela menor complexidade rítmica, normalmente não era necessária a regência, havendo apenas um líder do grupo que orientasse os ensaios, ou mesmo que coordenasse a execução a partir de seu próprio instrumento musical enquanto participava do concerto.
Aponta-se o pioneirismo do compositor Lully (1632-1687), dirigente do famoso grupo dos 24 violinos do rei, na corte francesa de meados do século XVII, que costumava marcar o pulso batendo no chão com um pesado bastão. Além do inconveniente ruído que tal marcação ocasionava, esta prática levou à morte do compositor, devido a uma gangrena causada após ele ter atingido o próprio pé com o bastão durante a execução de uma obra.
Mas o fato é que somente pela segunda metade do século XIX a figura do regente tornou-se comum. O aumento do tamanho das orquestras e também da complexidade rítmica das obras executadas levou ao fato de que tornava-se praticamente impossível executar certas obras sem o trabalho do regente.
Este torna-se responsável pelas decisões de interpretação: andamento, caráter, instrumento ou voz a ser destacada em determinado trecho, etc. Torna-se responsável também pela coordenação dos ensaios, o que o obriga a conhecer previamente e muito bem a totalidade da obra, para garantir a perfeita junção das partes de cada músico. Finalmente, torna-se responsável pela marcação do tempo durante a execução em concerto, função a mais aparente mas talvez a menos importante da atividade de um maestro.
No século XX os maestros tornaram-se verdadeiros empresários, responsáveis por administrar grandes grupos orquestrais, o que inclui a difícil tarefa de harmonizar os egos dos componentes da orquestra, fazer a programação musical, estudar as obras, fazer a ligação mais visível com o público e muitas vezes representar os músicos perante o Estado (ou outro órgão mantenedor) e vice-versa.
Por tão grande acúmulo de responsabilidades, a profissão de maestro passou exigir uma formação muito complexa, ganhando um formidável status no século XX, a tal ponto que os maestros tornaram-se as principais estrelas da música erudita, suplantando a importância dos compositores. Isto coincide com a transformação das orquestras em grupos que executam obras de compositores mortos (às vezes já há séculos), e com o completo desconhecimento do público da música recém-composta, quase nunca executada pelas orquestras por vários fatores – entre eles o próprio ego dos maestros (que não querem dividir a glória com compositores vivos), bem como as maiores dificuldades técnicas de execução da música moderna e o possível gosto conservador do grande público – embora não seja possível verificar se são as orquestras que não tocam música contemporânea porque o público não gosta ou se é o público que não gosta de música contemporânea porque as orquestras não tocam!

Orquestra

2008-02-11T09:30:00.000-08:00

Uma orquestra é um agrupamento instrumental utilizado sobretudo para a reprodução de música erudita. A pequenas orquestras dá-se o nome de orquestras de câmara.

A grande orquestra
A orquestras completas dá-se o nome de orquestras sinfônicas ou orquestras filarmônicas; embora estes prefixos não especifiquem nenhuma diferença no que toca à constituição instrumental ou ao papel da mesma, podem revelar-se úteis para distinguir orquestras de uma mesma cidade. Na verdade, esses prefixos denotam a maneira que é sustentada a orquestra. A orquestra filarmônica é sustentada por uma instituição privada, ficando assim a sinfônica mantida por uma instituição pública. Uma orquestra terá, tipicamente, mais de oitenta músicos, em alguns casos mais de cem, embora em actuação esse número seja ajustado em função da obra reproduzida. Nalguns casos, uma orquestra pode incluir músicos freelancers para tocar instrumentos específicos que não compõem o conjunto oficial: por exemplo, nem todas as orquestras têm um harpista.

Uma orquestra sinfónica dispõe quatro grupos de instrumentos:
as cordas (violinos, violas, violoncelos, contrabaixos, harpas, piano)
as madeiras (flautas, flautins, oboés, corne-inglês, clarinetes, clarinete baixo, fagotes, contrafagotes)
os metais (trompetes, trombones, trompas, tubas)
a percussão (tímpanos, triângulo, caixas, bumbo, pratos, carrilhão sinfonico, etc.)
Entre estes grupos de instrumentos e em cada um deles existe uma hierarquia implicitamente aceita. Cada secção (ou grupo de instrumentos) provê um solista (ou principal) que será o protagonista dos solos e da liderança do grupo. Os violinos são divididos em dois grupos: primeiros violinos e segundos violinos — o que pressupõe dois principais. O principal dos primeiros violinos é designado como líder, não só de toda a secção de cordas mas de toda a orquestra, subordinado unicamente ao maestro. Nos metais, o principal dos trombones é o líder, enquanto que nas madeiras é o principal do oboé.

A história da orquestra está ligada à história da música instrumental. Sempre existiu a prática de música em instrumentos musicais, mas em geral esta prática foi sempre minoritária em relação à música vocal. Na maioria das vezes, inclusive, os instrumentos musicais eram usados como apoio ou acompanhamento às vozes.
Foi no século XVI, durante o Renascimento, que a música instrumental começou a ser praticada de forma autônoma. Ou seja, foi com a música renascentista que os instrumentos musicais ganharam o status de merecerem ser ouvidos independentemente da música vocal. Inicialmente isto ocorreu com transcrições de música vocal ou danças estilizadas, e os primeiros instrumentos solistas foram o órgão e o alaúde.
A idéia de formar grupos instrumentais também já é muito antiga, mas durante o período medieval estes grupos não tinham uma estrutura definida. É comum que as partituras desta época sejam indicadas apenas para vozes, mas as partes vocais podiam ser reforçadas ou mesmo substituídas por instrumentos musicais. É provável que o Hoquetus David, obra musical do século XIV seja a primeira composição instrumental. Não há indicação de instrumentos, mas os estudiosos têm esta suspeita porque também não foi encontrado texto para o caso de ser música vocal.
Além do apoio à música vocal, os grupos instrumentais também foram, desde muito antigamente, usados em cerimônias públicas e em locais abertos. As festas romanas no Coliseu já usavam grupos de cornetas e outros instrumentos de grande volume. Acredita-se que por causa desta ligação com festas pagãs e com espetáculos que envolviam o martírio de cristãos é que a tradição cristã proibiu desde cedo o uso de instrumentos musicais na música litúrgica. As cortes feudais também usaram com freqüência os instrumentos mais estridentes para cerimônias de coroação e festas em lugares abertos. Era comum chamar estes grupos instrumentais de música de estábulo.
Mas o surgimento da orquestra está ligado a uma autonomia e uma padronização dos grupos instrumentais, seguindo sempre uma tendência de desenvolvimento da cultura urbana e burguesa. Neste sentido, os primeiros grupos a serem classificados como orquestras são aqueles determinados pelo veneziano Giovani Gabrielli (1557-1612) para o acompanhamento de suas ’’Sinfonias Sacras’’ compostas por volta de 1600. Quase simultaneamente, em Florença, Cláudio Monteverdi (1567-1643) também define uma orquestra para o acompanhamento de sua ópera Orfeo, composta em 1607. Estas orquestras primitivas, surgidas no início do período barroco, foram os primeiros grupos instrumentais com instrumentos definidos, correspondendo às primeiras tentativas feitas por compositores em obter um grupo instrumental de timbre definido. Ou seja, a partir deste período, os compositores passaram a não mais deixar a definição do timbre dos grupos instrumentais a cargo dos executantes, institucionalizando uma certa formação instrumental. Neste momento, ainda não havia uma fixação da formação orquestral, o que só iria acontecer no fim do primeiro quartel do século XVIII.

Harpa

2008-02-11T09:25:00.000-08:00

A harpa é um dos instrumentos mais antigos. Provavelmente, origina-se das vibrações de um arco de caça. As harpas mais antigas tinham poucas cordas, mas a harpa moderna possui 47 cordas distribuídas por comprimento.
O harpista não necessita pressionar as cordas para encontrar as notas, como faz o violinista, por exemplo. Entretanto, é imprescindível que o harpista verifique rigorosamente se cada corda está afinada perfeitamente antes de tocar. Esse cuidado especial envolve muito tempo e assim o harpista necessita estar na plataforma bem antes da hora prevista para o início do concerto a fim de afinar as cordas.
A partir e acima do dó médio, as cordas da harpa são, hoje em dia, comumente de náilon. As cordas graves são feitas de tripa e as onze mais graves, enroladas com fio metálico. Para ajudar o harpista a localizar corretamente as cordas, todas as cordas dó que não são enroladas com fio metálico têm a cor vermelha e as cordas fá são azuis.
Você deve estar imaginando como 47 cordas conseguem abranger toda essa ampla extensão de notas que a harpa pode tocar. Na base da harpa se encontram sete pedais, um para cada nota da oitava - um pedal para todas as cordas lá, outro para as cordas si e assim por diante.
Cada pedal pode encaixar-se em três posições, para poder rapidamente ajustar o comprimento de suas cordas e assim produzir qualquer uma de três notas diferentes. Tome-se o pedal dó como exemplo: na sua posição mais elevada todas as cordas dó soam a nota dó bemol em várias oitavas. Se o pedal for colocado no encaixe imediatamente inferior, encurtará as cordas ligeiramente fazendo então soar o dó natural. Colocando-se o pedal no encaixe mais baixo, as cordas produzem o dó sustenido.
O harpista pode dedilhar simplesmente uma melodia ou tocar a melodia e fazer o acompanhamento ao mesmo tempo. Os sons característicos da harpa na literatura orquestral são os acordes (com notas dedilhadas simultaneamente ou tocadas uma após a outra, como arpejo) e o glissando (em italiano, escorregando, deslizando) no qual o instrumentista desliza os dedos rapidamente no sentido transversal às cordas.
O instrumentista pode dedilhar as cordas perto da caixa acústica, produzindo um som rarefeito e seco; ou tocar harmônicos - sons misteriosos, sobrenaturais, que são obtidos colocando o lado da mão delicadamente no meio de uma corda e dedilhando somente a metade superior.

2008-02-11T09:19:00.000-08:00

Dos instrumentos musicais depois da voz humana, pode-se dizer que o trompete é um dos instrumentos mais antigos. Se olharmos na sua historia e construção verá que ele nasceu como um instrumento de chamada, utilizados por pastores para conduzir o rebanho ou em tempos mais antigos utilizado para assustar animais pré-históricos. Nessa época ele não tinha afinação ou escala, apenas era um pedaço de chifre que se produzia um som. Depois no período do metal, os romanos e outros povos construíram-no de metal para ser utilizado em guerras. Seus timbres e ataques davam os comandos para o exercito atacar ou não o inimigo.

Não podemos esquecer dos músicos que criaram técnicas e fizeram com que o trompete chega-se ao que é hoje. Músicos incríveis como: Jonh Baptista Arban, King Oliver, Dizie Dilespy, Duke Ellighton, Louis Armstrong, Arturo Sandoval e Winton Marsalis (exemplo a ouvir: Variações sobre Carnaval de Veneza). Informações sobre Bocais
Borda - Um contorno chato tende a segurar os lábios no lugar, por isso bordas com um contorno mais arredondado permitem maior flexibilidade que os de contorno chato. Uma borda mais larga aumenta o conforto e a resistência sobre uma borda mais estreita. Porém uma borda larga oferece menos flexibilidade.
Uma borda que tenha a beirada (bite) mais aguda no lado de dentro fornece articulações mais claras por segurar os lábios no lugar.
Cup - Com o aumento do cup em tamanho, sobrará mais lábio para vibrar o que faz um som com mais volume. A profundidade do cup ajuda a controlar a qualidade do tom. Um formato arredondado produz um som mais brilhante. Quando mais o formato se aproxima de um "V", mais opaco o som se torna.
Backbore - O formato do backbore, tão como seu volume, é muito importante no controle da resistência e da qualidade sonora. Geralmente um backbore mais justo ou menor produz um som mais brilhante enquanto que um backbore mais largo produz um som mais opaco e meloso.
Shank - O tamanho do shank controla quão fundo o bocal se encaixa nos lábios. Na maioria dos instrumentos o bocal não se encaixa contra o fim do bocal, criando assim uma brecha entre o fim e o começo do bocal. Essa brecha é muito importante na medida que ela afeta a resistência e a entonação; uma brecha menor produz menos resistência e vice-versa.

Desenho de alguns membros da família das Flautas:

2008-02-11T09:17:00.000-08:00

Flautim (Piccollo), Flauta Alto, Flauta em Dó (comum) e Flauta Baixo.

Desenho de alguns membros da família dos Saxofones:

2008-02-11T09:16:00.000-08:00

Sopranino (A), Soprano (B), Contralto ou Alto (C), Tenor (D), Barítono (E) e Baixo (F).

Embocadura harmônica

2008-02-11T09:11:00.000-08:00

Glissando: é um efeito fácil de ser executado em uma harmônica. É uma corrida soprada ou aspirada sobre diversas notas em direções ascendentes ou descendentes. Sua representação gráfica é uma linha sinuosa marcando a extensão da corrida.

Embocadura harmônica

2008-02-11T09:10:00.000-08:00

Não há música que não possa ser tocada por uma harmônica diatônica do modelo "Blues".Podem ser usadas harmônicas em diferentes afinações. Mais adiante falarei desse assunto.Acordes são três ou mais notas executadas simultaneamente.

Embocadura harmônica

2008-02-11T09:09:00.001-08:00

Notas aspiradas: nos três primeiros orifícios são Ré, Sol, Si e nos demais são sempre Ré, Fa, La, Si.

Embocadura harmônica

2008-02-11T09:07:00.001-08:00

Por exemplo:Notas sopradas: são sempre Dó, Mi, Sol.

APRENDENDO TOCAR A HARMÔNICA

2008-02-11T09:05:00.000-08:00

A harmônica diatônica é construída por um sistema chamado "Richter". Este sistema permite que você possa executar acordes de acompanhamento quando estiver tocando músicas na tonalidade da afinação desse instrumento.

Segure a harmônica envolvendo-a de acordo com a ilustração mostrada acima:

O movimento de abrir e fechar as mão em forma de concha é importante para produzir os efeitos: "trêmulo "wah - wah", como você verá adiante.
Soprar e aspirar nos orifícios da harmônica, não deve ser com força. Deixe que o ar passe através dos orifícios como se você estivesse respirando pela boca, com a ajuda nasal.
Logo você aprenderá e assim, além de obter um som limpo e cristalino, protegerá sua harmônica contra danos como, rupturas de palhetas ou deslocamentos das mesmas.
Palhetas, são pequenas lâminas de latão em liga especial, que vibram e produzem os sons da harmônica quando por elas passam as colunas de ar, sopradas ou aspiradas.

HARMÔNICA DE BOCA

2008-02-11T09:01:00.000-08:00

A gaita, gaita de beiços, harmônica (br)/harmónica (pt), ou harmônica/harmónica de boca (também conhecida como realejo em algumas partes do nordeste brasileiro) é um instrumento musical de sopro cujos sons são produzidos por um conjunto de palhetas livres.
A gaita possui em sua embocadura um conjunto de furos por onde o instrumentista sopra ou suga o ar. Devido ao seu pequeno tamanho, a gaita não possui caixa de ressonância. O gaitista usa as mãos em concha para amplificar o som do instrumento e também para produzir efeitos, como variações de afinação e intensidade ou vibrato. Quando executada em conjunto com outros instrumentos, é comum que ela seja amplificada eletronicamente. A gaita é bastante usada no blues, rock and roll, jazz e música clássica. Também são muito comuns os conjuntos compostos apenas de gaitas, as chamadas Orquestras de Harmônicas, que normalmente tocam músicas tradicionais ou folclóricas.

A gaita é um instrumento de palheta livre, como o acordeão, órgão de palhetas e o bandoneón. Diferentemente destes instrumentos, não é um fole que força o ar através das palhetas, mas sim o sopro do executante.
As palhetas são finas lâminas retangulares de metal que são montadas sobre uma placa de suporte. Para cada palheta, existe na placa uma fresta com o tamanho exato para que a palheta possa se movimentar livremente dentro dela sem que haja folgas. Cada gaita possui duas placas de palhetas que são montadas sobre um corpo em forma de pente ou grelha, feito de plástico ou madeira. A função desta peça é direcionar o ar individualmente para cada palheta. Quando o conjunto é montado cada furo do pente fica com uma palheta em sua parte superior e outra na parte inferior.

Corne Inglês

2008-02-11T08:55:00.000-08:00

Instrumento de sopro semelhante ao oboé com um comprimento maior, produzindo sons mais graves. O seu corpo é de madeira com chaves de metais. Também utiliza palheta dupla para executar o som. O corne inglês é utilizado em algumas peças orquestrais e é tocado pelo mesmo músico que toca o oboé.

O seu corpo, constituido por um tubo cônico de madeira nobre, é um pouco mais longo do que o do Oboe, porêm o sistema de chaves e sapatilhas é idêntico.
As partituras para o Corne Inglês são escritas na Clave de Sol e sua extensão e registros são os mesmos do Oboe.
É um instrumento musical transpositor.
As partituras musicais para o Corne Inglês são escritas cinco notas acima das notas reais que soam no instrumento.
O Corne Inglês apresenta, comparativamente ao Oboe, um som mais velado, intimo e expressivo, prestando-se admiravelmente bem a interpretações de fraseados melancólicos e suaves.
Trata-se de um instrumento musical de aparição raríssima na música de Jazz.

Contra-Fagote

2008-02-11T08:52:00.000-08:00

Este instrumento é maior que o fagote e toca notas mais graves que o fagote. O seu corpo é de madeira com as chaves de metal. Utiliza da mesma maneira que o fagote uma palheta dupla, que é encaixado em um pequeno tubo que sai do corpo do instrumento. O contra-fagote vem da mesma família que o fagote, e ele é utilizado na orquestra em algumas peças orquestrais. O contra-fagote é tocado pelo mesmo músico que toca o fagote.

Clarone

2008-02-11T08:50:00.000-08:00

Também chamado de clarinete baixo, é duas vezes maior que o clarinete, feito de madeira e chaves de metal. Para poder tocar o clarone é necessário apoiá-lo no chão ou apoiá-lo com uma tira no pescoço. Tem as mesmas características que o clarinete mas por ser maior, ele toca em uma região mais grave. Se utiliza de uma palheta simples como o clarinete. Ele é tocado pelo mesmo músico que toca o clarinete, sendo usado apenas em algumas peças orquestrais.

Um instrumento musical de sopro, um aerofone da família dos clarinetes, também conhecido como clarone. Pelo seu peso e tamanho, possui tudel e a campânula curvos (como no saxofone tenor) e um espigão para apoiar o instrumento no solo. Um solista pode tocá-lo também de pé com o suporte de correias. O clarinete baixo é um instrumento transpositor, geralmente afinado em Si bemol, soando uma oitava abaixo do clarinete de mesma afinação. Há poucas partituras orquestrais que pedem o clarone em Lá (Wagner é um exemplo). Como o clarinete, o clarinete baixo é um instrumento de palheta simples mas tanto a boquilha quanto a palheta são maiores, se assemelhando aos do saxofone tenor.

Partes Fagote

2008-02-11T08:44:00.000-08:00

Fagote

2008-02-11T08:37:00.000-08:00

O fagote é um instrumento musical da família dos sopro. A palavra fagote deriva do italiano fagotto. É constituído por um longo tubo cônico de madeira de cerca de 2,5 metros, dobrado sobre si mesmo. A palheta dupla é fixada em um tudel de cobre, ou bocal.
Aparecendo com sua forma moderna no século XVIII, o fagote figura proeminentemente em orquestras e grupos de música de câmara. Devido ao complicado dedilhado e às palhetas duplas, o fagote é um instrumento particularmente difícil de aprender, e os estudantes normalmente o escolhem após dominarem um outro instrumento de sopro, como a flauta ou o clarinete.
O fagote é o mais grave instrumento de madeira da família dos sopros. Ele se ramifica ainda em outros dois instrumentos: o fagotino e o contrafagote. O fagotino é um fagote menor e mais agudo, que atualmente está em desuso. O contrafagote é maior que o fagote, pesando cerca de 10 kg, e soa uma oitava abaixo deste.

A origem do fagote é bastante remota. Os instrumentos de palhetas duplas já eram utilizados na antigüidade, sobretudo no Egito, no Oriente Médio e na Ásia. No entanto, é na Idade Média que se encontra o precursor do fagote moderno, o dulcian. As origens do dulcian são obscuras, mas no século XVI ele estava disponível em pelo menos oito tamanhos diferentes, e ele continuou sendo usado até o século XVIII, por Bach e outros. Apesar das semelhanças entre o fagote e seu ancestral, como a forma do cone de madeira, o timbre grave, e o uso de furos e chaves, evidências indicam que o fagote barroco foi uma invenção completamente nova, com uma semelhança apenas superficial ao dulcian.
Até 1650, um grande número de instrumentos diferentes coexistiam, sem que, no entanto, possuíssem nomes precisos ou pertencessem a categorias definidas. Alguns estudiosos afirmam que o principal responsável pelo desenvolvimento do fagote foi Martin Hotteterre (?-1712), que pode ter sido também o inventor da flauta transversal de três peças, e do oboé barroco. Por volta de 1650, Hotteterre teria concebido o fagote em quatro seções, além de ter estendido sua extensão até Bb, com a adição de duas chaves (Lange e Thomson, 1979). Uma teoria alternativa indica que Hotteterre foi apenas um dos vários artesãos responsáveis pela criação do instrumento.

Hoje, existem dois tipos de fagotes: o fagote do sistema francês e o do sistema alemão. As principais diferenças entre os instrumentos dos dois sistemas residem na madeira utilizada em sua confecção, a furação e o chaveamento, e conseqüentemente, os diferentes dedilhados etc. São duas as principais fabricantes do fagote francês Buffet-Crampon e Selmer. Heckel, Püchner, Moosmann, Schreiber, Adler, Mönnig, Sonora, Hüller, Amati, Fox e Yamaha estão entre os maiores fabricantes de fagotes do sistema alemão.

O sistema alemão encontrou mercado em todo o mundo, até mesmo na França e em certos países latinos onde o fagote francês já estava fortemente consolidado. Também, com a internacionalização da música e da busca de um som orquestral uniforme, certos maestros preferem o fagote alemão, porque seu timbre é mais redondo e se funde melhor à massa orquestral. Hoje, os dois instrumentos coexistem, embora poucos músicos iniciem seus estudos no sistema francês. A França é um dos raros países a propor a especialização nos dois instrumentos.

Nas orquestras modernas é comum haver de dois a quatro fagotes, para que haja um contrafagote quando necessário, e um outro seja solista. Seu timbre o torna adequado para peças líricas ou cômicas. O fagote combina muito bem com os outros instrumentos de palheta dupla, e costuma acompanhar solos de oboé ou corne inglês. Geralmente executa pequenos solos, ou forma duetos com outros instrumentos de sopro. Na música de câmara normalmente se usa o fagote como baixo para quase qualquer combinação de sopros de madeira. Hoje, inclusive, vêm conquistado espaço os quartetos de fagote.

Família do oboé

2008-02-11T08:35:00.000-08:00

Outros instrumentos da família do oboé, são o oboé piccolo em Fá, o oboé d'amore em Lá, o oboé baixo em Dó (chamado oboé barítono em França) e o oboé contrabaixo em Dó.
Aparentados com o oboé são o corne inglês (que integra regularmente as orquestras desde o século XIX) e o Heckelphone.

Oboé

2008-02-11T08:30:00.000-08:00

O oboé é um instrumento musical de sopro de palheta dupla da família das madeiras. O corpo do oboé é feito normalmente de madeira (ébano, jacarandá) e tem formato ligeiramente cônico - alguns instrumentos mais recentes têm sido feitos de plástico. Tem uma palheta dupla. Uma pequena e delgada tira de uma cana especial é dobrada em dois e um pequeno tubo de metal (staple) é colocado entre os dois lados da tira dobrada, a qual é então passada em volta do tubo e firmemente amarrada a ele. A parte dobrada da tira é cortada e as duas extremidades, delicadamente desbastadas, constituindo então a palheta dupla. O tubo de metal encaixa-se em uma base de cortiça que é firmemente fixada na extremidade superior do oboé.
O músico que toca o oboé é denominado "oboísta". Coloca-se a extremidade da palheta dupla entre seus lábios, retraindo-os levemente para dentro da boca sem tocar nos dentes. O instrumentista deve manter um sopro contínuo entre as duas extremidades da palheta dupla, colocando-as assim em vibração, uma contra a outra (da mesma maneira que as bordas de uma folha dobrada vibram quando apertadas entre os dedos e sopradas). A vibração das duas canas coloca a coluna de ar existente dentro do oboé também em vibração, produzindo deste modo as notas. O oboé é considerado um dos instrumentos de sopro de técnica mais difícil de respiração, já que requer um volume de ar muito maior do que o realmente utilizado para produzir a nota, para produzir a pressão necesária.

O oboé tem uma extensão de notas menor que os outros principais instrumentos de sopro, mas é capaz de grande variedade de timbres e de estilos de tocar. Em melodias lentas, o oboé tende a soar melancólico. Mas o oboé pode executar melodias alegres e chilriantes, com um timbre cortante e mordaz. Devido ao seu timbre penetrante e ao fato de que é o único instrumento de sopro que não depende de regulagem para afinação, é o oboé que toca a nota Lá, antes de um concerto começar, para que todos os outros instrumentistas afinem seus instrumentos.
Os oboés foram incorporados à orquestra em meados do século XVII, onde desfrutou de grande popularidade entre compositores como Bach, Vivaldi e Handel, do período barroco.

ESCALA DA CLARINETE 13 CHAVES C

2008-02-11T08:28:00.000-08:00

ESCALA DA CLARINETE 17CHAVES

2008-02-11T08:27:00.000-08:00

Particularidades

2008-02-11T08:24:00.000-08:00

O prestígio da clarineta
As possibilidades harmônicas, o grande controle de dinâmicas que o instrumento permite, a grande agilidade, a grande extensão de notas, a sua natureza de timbres e o poder sonoro dão ao clarinete uma posição de destaque nas orquestras atuais. Alguns dizem que é o "violino das madeiras" em razão das virtudes mencionadas acima. No entanto a clarineta ainda não é um instrumento perfeito e algumas notas ainda apresentam sérios problemas de afinação, mesmo com todo trabalho iniciado pelo flautista Boehm, que foi adaptado posteriormente para os demais sopros. O sistema Oehler é hoje considerado o mais apropriado para a clarineta, já que resolveu a maior parte dos problemas deste instrumento, mas ainda sim não é perfeito pois acarretou uma perda de brilho no timbre natural do clarinete. Enquanto que o sistema Boehm, que apesar de manter alguns desses problemas, mantém o brilho particular deste instrumento.
O controle dessas imperfeições cabe ao músico, e isso ajuda a tornar a clarineta um instrumento desafiador. Quem se interessa a tocar clarineta, saiba que precisará de muito empenho e dedicação, mas saiba também que irá se encantar com a beleza desse instrumento.

A clarineta possui semelhanças com o oboé, mas difere deste no que tange a sua forma (o oboé é cônico, e o clarinete é cilíndrico), no timbre (o oboé é rascante, anasalado e penetrante, enquanto a clarineta é mais aveludada que penetrante, menos rascante e mais encorpada), e na extensão de notas (o oboé possui a menor extensão de notas dentre os sopros, enquanto a clarineta, a maior). Essas diferenças se dão principalmente pela forma cilíndrica da clarineta e do uso de apenas uma palheta, enquanto que o oboé e o fagote (também membros das madeiras) se utilizam de uma palheta dupla.

Clarinete

2008-02-11T08:19:00.000-08:00

O clarinete ou a é um instrumento musical de sopro constituído por um tubo cilíndrico de madeira (já foram experimentados modelos de metal), com uma boquilha cônica de uma única palheta e chaves ("botões" metálicos, servem para tapar orifícios onde os dedos não chegam). Possui quatro registros: grave, médio, agudo e superagudo. Quem toca o clarinete é chamado de clarinetista.
O clarinete é um instrumento musical considerado por muitos um instrumento unicamente de “Música Erudita”. Mas isso não é verdade. O clarinete é um instrumento muito versátil que fica bem em quase todos os estilos musicais: Música Barroca, Música Romântica, Jazz, Blues e muito mais.

O clarinete é um descendente da charamela, instrumento bastante popular na Europa pelo menos desde a Idade Média. Em 1690 Johann Christoph Denner, charamelista alemão, acrescentou à sua charamela uma chave para o polegar da mão esquerda para que assim pudesse tocar numa abertura, o que lhe trouxe mais possibilidades sonoras. Surgiu assim o clarinete contemporâneo. Introduzido nas orquestras em 1750, foi um dos últimos instrumentos de sopro incorporados na formação orquestral moderna.
Os clarinetes são tradicionalmente feitos de ébano, granadilho,ebonite e também pau preto, sendo as boquilhas geralmente construídas em plástico. O som é produzido devido à vibração da palheta (uma lâmina feita de cana), provocada pelo sopro do clarinetista. O corpo do instrumento é, na sua maior parte, de espessura uniforme, com um alargamento (na campânula) no fim do tubo.
O sistema de chaves mais comum é o sistema Boehm, projetado por Hyacinthe Klosé. Outro sistema, chamado Oehler é usado principalmente na Alemanha e Áustria.
Com relação ao número de chaves/registos pode ter 13 chaves (Pode ser Sistema Mueller ou Sistema Oehler) 17 chaves (sistema Boehm) 21 chaves ou outros menos comuns de 27 e 31 chaves

Flautim

2008-02-11T08:14:00.000-08:00

O flautim ou piccolo (pequeno em italiano) é um instrumento musical da família da flauta, soando uma oitava acima da flauta soprano, da qual possui igual digitação. É constituído por um pequeno tubo de cerca de 33 cm de comprimento e um bocal. Este instrumento foi introduzido na orquestra no século XIX, sendo usado na música erudita moderna. Produz o som mais agudo da orquestra.
É um instrumento de execução difícil, já que a dimensão pequena do tubo exigem uma embocadura e um sopro precisos. Além disso suas chaves se encontram a uma distância extremamente pequena umas das outras.

Flauta doce

2008-02-11T08:06:00.000-08:00

A origem deste instrumento está nos antigos instrumentos folclóricos que ainda podem ser encontrados em diversas partes da Europa hoje, como o Czakan na Hungria (6 furos) ou a flauta dupla da antiga Iugoslávia. Muitos destes instrumentos eram feitos de tubos de bambu ou cana naturais, enquanto a flauta doce era um instrumento torneado em madeira. Foi o instrumento musical mais popular na Idade Média. Ela produz um som melodioso. Como todo instrumento musical, para ser tocado é necessário estudos das técnicas. É o mais antigo dos instrumentos da família de tubo interno. Consiste em um tubo, com buracos para sete dedos e um buraco para o dedo polegar que serve como abertura de oitava. Talvez a ilustração mais antiga e incomparável seja a de uma flauta doce que está no “The Mocking of Jesus” (posterior a 1315), um afresco da Igreja de Staro Nagoricvino na Iugoslávia. Existem várias ilustrações de tubos parecidos .

O instrumento mais antigo e completo sobrevivendo, é a chamada flauta doce de Dordrecht datada de meados do século XIII. Esta "flauta doce medieval" é caracterizada obviamente por seu corpo estreito e cilíndrico (o transcurso largo do tubo interno no meio do instrumento é responsável pela afinação e resposta sonora) A segunda flauta doce medieval mais ou menos completa e datando do século XIV foi reportado de Göttingen (norte da Alemanha) onde foi achada em uma latrina na Weender Straßer número 26 em 1987. A “flauta doce de Göttingen” faz parte da coleção do Stadtarchäologie Göttingen.
No século XV a flauta doce se desenvolveu e passou a ser chamada como a “flauta da renascença” que alcançou seu apogeu em meados do século XVI.

Fabricação da Flauta

2008-02-11T08:03:00.000-08:00

O instrumento era feito originalmente de madeira, passando-se posteriormente a fabricá-lo em prata ou outro metal, que confere uma maior intensidade do som, melhor afinação, mais facilidade de uso das chaves. Ainda há orquestras na Alemanha que utilizam flautas de madeira, justificando-se pela beleza timbrística inigualável.
A flauta é composta por Bocal, Corpo e Pé.
O bocal possui um orifício com as bordas em formato adequado para que o instrumentista apoie comodamente o lábio inferior (porta-lábio). Numa extremidade, há uma peça móvel formada cortiça com um ressonador de metal, movendo-se-a, ajusta-se a afinação da flauta (geralmente as flautas vêm com um bastão indicando a distância correta do ressonador ao centro do orifício. Na outra extremidade, encaixa-se o corpo.
O corpo possui diversas perfurações e um sistema complexo de chaves e outros mecanismos.
O pé é uma extensão do corpo, possuindo três ou quatro chaves. Termina geralmente na chave de Dó, mas há flautas que se estendem até o Si2.

Registro , Extensão e Técnica

2008-02-11T08:00:00.000-08:00

A extensão normal da flauta é de três oitavas, do Dó3 (Dó central no piano) ao Dó6. Estudos acústicos levaram os flautistas a conseguir obter um maior alcance no instrumento, podendo chegar até o Sol6 e, dependendo do flautista, até ao Dó7.

Na flauta, a emissão do som é relativamente fácil, levando ao virtuosismo quase espontâneo no que diz respeito à velocidade. Não tão fácil é obter um som vibrante sem ser vulgar no forte ou inconsistente no piano. As dificuldades de execução apresentam-se também pela natureza heterogénea dos registros, tanto tem timbre, quanto em volume de som. O agudo é potente e brilhante, e o grave, aveludado e de difícil emissão. O controle da embocadura, por se tratar de um instrumento de embocadura livre, deve ser minucioso, já que pequenas alterações no ângulo do sopro interferem bastante no equilíbrio da afinação.

Flauta

2008-02-11T07:55:00.000-08:00

A flauta é um dos instrumentos mais antigos que se conhece, tendo sido sempre muito utilizado, pela sua facilidade de construção e pelo som melodioso, de timbre doce e suave que produz.
Até o barroco, a flauta transversal dividia igualmente o campo da instrumentação com as flautas retas, como a flauta doce. A partir do século XVIII, passou a ser mais importante.
A flauta transversal como a conhecemos hoje (ou "flauta de concerto"), data de 1871, a partir de um aperfeiçoamento feito pelo flautista e pesquisador de instrumentos Theobald Boehm, que descreveu seu modelo de flauta no livro "The Flute and Flute playing".
Dentro de uma orquestra sinfônica há, geralmente três flautistas no naipe. É comum que as flautas na orquestra dobrem a melodia dos violinos, acrescentando-lhes suavidade e brilho. A Flauta é particularmente usada em passagens rápidas e salteadas - aliás, o virtuosismo na flauta se mostra também na agilidade. Diz-se que é o instrumento mais ágil da orquestra.''A flauta (ou flauta transversal) é um aerofone da família das madeiras. É um instrumento não palhetado, possuindo um orifício por onde o instrumentista sopra perpendicularmente ao sentido do instrumento.

Tipos de sax:

2008-02-11T07:38:00.000-08:00

Alto ou contralto, em Mi♭
Tenor, em Si♭
Barítono, em Mi♭
Há porém outros modelos mais raros, ou que foram caindo em desuso, por exemplo
Sopranino, em Fá e Mi♭
Soprano, em Dó (não transpositor)
Mezzo-soprano, em Fá
"Melody", em Dó (transpositor à oitava)
Baritono, em Mi♭
Baixo, em Si♭
Contrabaixo, em Mi♭
Contrabaixo(Tubax), em Mi♭
Sub-contrabaixo (Tubax), em Si♭

Soprano, armado em Si♭

Palheta

2008-02-11T07:34:00.000-08:00

As palhetas são fabricadas com madeira, geralmente cana ou bambu, existindo, porém palhetas sintéticas criadas pela engenharia moderna.

Existem numerações para determinar o nível de dureza de uma palheta, mas esta numeração não é padronizada, varia de fabricante para fabricante. Quanto mais dura é a palheta, maior é o esforço para a emissão da nota, contudo menor é o esforço para manter o controle da afinação.
Existem três tipos básicos de palhetas para instrumentos de sopro: palhetas simples, duplas e livres.

As palhetas são fabricadas com madeira, geralmente cana ou bambu, existindo porém palhetas sintéticas criadas pela engenharia moderna. Existem numerações para determinar o nível de dureza de uma palheta, mas esta numeração não é padronizada, varia de fabricante para fabricante. Quanto mais dura é a palheta, maior é o esforço para a emissão da nota, contudo menor é o esforço para manter o controle da afinação.

A boquilha

2008-02-11T07:29:00.000-08:00

A boquilha é a peça que se encaixa na ponta do saxofone e na qual é fixada a palheta. Seu funcionamento é semelhante ao de um apito, que gera as vibrações que irão percorrer o corpo do instrumento e as quais se tornarão o som típico do saxofone. As boquilhas podem ser fabricadas dos mais diversos materiais: massa plástica, metais, acrílico, madeira, vidro e até mesmo osso, contudo as de massa plásticas e de metais são as mais utilizadas.
O formato das boquilhas também pode variar bastante, tanto externamente quanto internamente. Alterações nos formatos implicam em alterações significativas do som produzido, e devido a este fato, a escolha da boquilha é uma decisão muito pessoal para cada saxofonista. Não existe um padrão entre as fábricas. A grosso modo, duas medidas internas são definidas: a altura da abertura e a sua profundidade. Quanto maior for a abertura e menor a profundidade, mais estridente será o som produzido, já o contrário resulta num som abafado e pequeno.

Cada tipo de sax tem um modelo de boquilha diferente. Por isso preste atenção quando for fazer a troca de boquilhas do sax, é importante que a boquilha nova seja do mesmo modelo do sax.Por serem tão importantes para o sax, as boquilhas devem ser muito bem cuidadas. A limpeza e a manutenção das boquilhas devem ser cautelosamente feitas. A troca de boquilhas é necessária depois de certo tempo de uso do sax, então troque quando necessário as boquilhas do seu sax

Saxofone

2008-02-11T07:23:00.000-08:00

O saxofone, também conhecido simplesmente como sax, é um instrumento de sopro inventado em 1846 pelo belga Adolphe Sax, um respeitado fabricante de instrumentos, que viveu na França no século XIX.

História

Ao contrário da maioria dos instrumentos populares hoje em dia, que para chegar ao seus formatos atuais foram evoluídos de instrumentos mais antigos, o saxofone foi um instrumento inventado. O pai do saxofone foi o belga Antonie Joseph Sax, mais conhecido pela alcunha de Adolphe Sax. Filho de um fabricante de instrumentos musicais, Adolphe Sax aos 25 anos foi morar em Paris, e começou a trabalhar no projeto de novos instrumentos. Ao adaptar uma boquilha semelhante à do clarinete a um oficleide, Sax teve a idéia de criar o saxofone. Não se sabe a data exata da criação do instrumento. A patente foi obtida por Sax em 28 de junho de 1846.
Embora seja feito de metal, o saxofone pertence à família das madeiras, pois seu som é emitido a partir da vibração de uma palheta de madeira que fica fixada à boquilha.
Por ter um som único, com propriedades tanto dos instrumentos de madeira, quanto dos de metal, o saxofone logo foi adotado por muitos músicos. O sax tem a capacidade de ter o poder de execução de instrumentos como o clarinete, ao mesmo tempo que tem uma potência sonora quase tão grande quanto à das cornetas. Além disso seu timbre é um dos que mais se assemelham ao da voz humana.

O saxofone é um instrumento fabricado em metal, geralmente latão, com uma mecânica semelhante à do clarinete e à da flauta. É composto basicamente por um tubo cônico com 26 orifícios que têm as aberturas controladas por 23 chaves vedadas com sapatilhas geralmente de couro (nas versões mais modernas) e uma boquilha onde se acopla uma palheta geralmente de bambu (instrumento de palheta simples). A família dos saxofones é bem extensa, mas o desenho é semelhante em todos, sendo de forma similar a um cachimbo ou ainda reto, dependendo do tamanho. As excepções são o sopranino e o soprano, construídos geralmente sem curvatura (à semelhança do oboé).

2008-02-09T19:18:00.000-08:00

Trombone

O trombone é um instrumento musical da família dos metais. É mais grave que o trompete e mais agudo que a tuba. Quem toca o trombone é chamado de trombonista.
Os trombones são utilizados em vários géneros musicais, como Música Clássica, Jazz entre outros.
Há duas variedades de trombone, quanto à forma:
Trombone de Pisto: Utiliza pistos mecânicos como o trompete.
Trombone de Vara: Possui uma válvula móvel (vara), que, ao ser deslizada, altera o tamanho do tubo, mudando a nota. São várias as particularidades da vara:
Faz com que o trombone apresente todas as notas dentro da sua extensão (é comum entre os instrumentos de pisto um "buraco", isto é, uma nota ausente na região grave).
Deixa o timbre do instrumento mais homogéneo em todos os registros, já que o ar não muda de caminho, apenas aumenta ou diminui o percurso.
É mais adequada para realizar efeitos como o glissando.
Requer um maior cuidado com a afinação.
A família do trombone apresentava originalmente os instrumentos Soprano, Contralto, Tenor, Barítono e Baixo. Com a evolução da música, alguns tipos foram sendo abandonados. O Romantismo consagrou o trombone tenor como o mais nobre da família.
Na atualidade utilizam-se muito frequentemente o trombone Tenor-Baixo, em Fá - Si bemol, e modelos dotados de válvulas mecânicas acionadas com a mão esquerda.

Os modelos mais utilizados hoje em dia são:
Trombone Tenor Bb calibre fino (.508" vara e 7-1/2" na campana), sem rotor para música popular (jazz). Tambem conhecido como Trombone Jazz ou "Cabeça de Gato".
Trombone Tenor Bb calibre largo (.547" vara e 8.5" na campana), com ou sem rotor em F para música erudita. Tambem conhecido como Trombone Tenor Sinfonico.
Trombone Baixo Bb Calibre largo (.562" vara e 9.5" na campana), com 2 rotores sendo um em F e o outro em Gb, e é ultilizado em ambos os estilos.
Os calibres acima podem variar de acordo com o fabricante. Apesar dos três modelos acima serem em Bb, eles são bem diferentes por causa do seu calibre. O calibre muda e muito o timbre do instrumento. O Trombone Baixo hoje em dia é fabricado em Bb, porém com um calibre maior que o Tenor Sinfônico, e com dois rotores que afinam em Bb, Gb e quando os dois acionados juntos afinam em D.
Outro fato é que apesar do trombone ser conhecido por ter a afinação em Bb, a sua escrita é realizada em C, portanto o trombone não é um instrumento transpositor, como o trompete é por exemplo.

Trompete

O trompete é instrumento musical de sopro, um aerofone da família dos metais, caracterizada por instrumentos de bocal, geralmente fabricados de metal. É também conhecido como pistão (por metonímia). Quem toca o trompete é chamado de trompetista.
O trompete é um tubo de metal, com um bocal no início e uma campânula no fim. A distância percorrida pelo ar dentro do instrumento é controlada com o uso de pistos. Além dos pistos, as notas são controladas pela pressão dos lábios do trompetista e pela velocidade com que o ar é soprado no instrumento.
O trompete é utilizado em diversos géneros musicais, sendo muito comumente encontrado na música clássica e no jazz. Em estilos mais acelerados, como o ska e latinos como o mambo e a salsa.

2008-02-09T19:15:00.000-08:00

Trompas de chaves

Bugle

A trompa é um instrumento de sopro da família dos metais. Muito antigo (os antigos egípcios já o conheciam), passou aos hebreus, aos gregos e aos romanos, é muito importante na orquestra sinfônica moderna. Consiste num tubo metálico de 3,7 metros de comprimento, ligeiramente cônico, com um bocal numa das extremidades e uma campânula (ou pavilhão) na outra, enrolado várias vezes sobre si mesmo como uma mangueira, e munido de três ou quatro chaves, de acordo com o modelo. O trompista aciona as chaves com a mão esquerda, e com a mão direita dentro do pavilhão ajuda a controlar o fluxo de ar dentro do instrumento, e é pela ação conjunta das chaves, da mão direita no interior da campânula, e do sopro (e, às vezes, sucção) do trompista que as notas são produzidas em diferentes alturas e timbres. É um instrumento dificílimo de tocar: o trompista não só tem que ter um ouvido afinadíssimo e saber solfejar com precisão, como também tem que ter uma coordenação motora perfeita para controlar os músculos da mão direita e a própria respiração.
O timbre da trompa é o mais rico em harmônicos, assemelhando-se muito à voz humana. A mão dentro da campana permite uma enorme variedade de timbres.
Trompas aparecem nas 10 últimas sinfonias de Haydn e Mozart, em todas as 9 de Beethoven, nas 4 de Schumann, nas 4 de Brahms, nas 6 de Tchaikovsky, nas 9 completas de Mahler. A partitura da Segunda Sinfonia de Mahler exige dez trompas

2008-02-09T19:13:00.000-08:00

Sousafone
Tuba

A tuba é um instrumento musical de sopro da família dos metais. Consiste num tubo cilíndrico recurvado sobre si mesmo e que termina numa campânula em forma de sino. Dotado de bocal e de três a cinco pistões, possui todos os graus cromáticos.
Existem tubas de vários tamanhos: tenor (também chamado de eufônio), baixo e contrabaixo. Desde o seu aparecimento, na primeira metade do séc. XIX, logo foi incorporado nas orquestras sinfônicas.

A tuba é originária do “oficleide”, uma trompa de chaves grave, utilizada por volta de 1800, ainda antes da invenção do sistema de pistões. Este instrumento começou a ganhar popularidade nas pequenas bandas de metais da Grã-Bretanha, onde um antecessor do atual Sousafone, chamado Helicon, era usado devido à sua portabilidade (mais fácil de transportar).
Mais tarde, Richard Wagner utilizaria uma variante deste instrumento (basicamente uma tuba baixo mas com um bocal de trompa), razão pela qual surgiu a chamada Tuba Wagneriana. Em 1860, John Philip de Sousa patenteou um novo tipo de tuba baseado no Helicon, dando origem ao atualmente chamado Sousafone.
Por esta altura, os alemães Johann Moritz e Wilhelm Wieprecht construiram o modelo de tuba que seria o percursor do modelo mais utilizado hoje em dia. Desde esta altura, o design e conceito geral da Tuba permaneceram inalteráveis, mas diversas variantes foram sendo introduzidas, incluindo instrumentos com 4, 5 e 6 pistões, pistões com válvulas rotativas, Sousafones em fibra de vidro (para serem usados em desfiles).
Atualmente, as tubas podem ser encontradas nas mais diferentes formas e combinações. Assim, encontramos Tubas em diferentes afinações (Sib, Do, Mib, e Fá), com campânulas desde 36 a 77 centímetros de diâmetro, voltadas para cima ou para a frente, lacadas ou cromadas, com pistões normais ou com válvulas rotativas (ou ambos), com 2 até 6 pistões etc. e a variedade é ainda maior se adicionarmos as várias cambiantes dos Sousafones (como por exemplo o raríssimo Sousafone com 2 campânulas).
Nas bandas filarmônicas, cabe às Tubas o fundamental papel de suporte harmônico, uma vez que compõe o naipe de instrumentos que atua no registo grave.

Tipos de Tuba
As Tubas, independente de seus tipos, podem possuir pistos ou rotores (válvulas), que abrem e/ou fecham tubos metálicos e forma a alterar a cirulação do ar advindo do sopro e consequentemente alterar a sonoridade. As válvulas são encontradas com mais frequencia em Tubas grandes e profissionais e facilitam a troca rápida de notas em músicas que exigem agilidade. Os Tubas menores normalmente são utilizados por aprendizes ou em orquestras que não exijam muita agilidade.
A maioria das Tubas podem possuir 3 ou 4 pistos ou rotores. O 4o. pisto é utilizado para facilitar ao músico adicionar uma oitava mais grave em seu repertório.
Os tipos de Tubas mais conhecidos são:

Tuba de marcha

Helicon

Sousafone

Tonalidades
A tuba é um instrumento transpositor. Pode ter as seguintes afinações:
Si bemol (B♭) — mais usada nas bandas militares e bandas filarmónicas
Mi bemol (E♭) — mais usada nas bandas militares e bandas filarmónicas
Dó (C) — mais usada nas orquestras
Fá (F) — mais usada nas orquestras

2008-02-09T19:10:00.000-08:00

Cornetas de madeira [1]
Corneta de pistões
Didjeridu
Feliscornes e tubas

Instrumentos de sopro

2008-02-09T19:03:00.000-08:00

Metais: Bombardino • Clarim • Corneta • Didjeridu • Eufônio • Melofone • Oficlide • Sacabuxa • Saxotrompa • Shofar • Sousaphone • Trombone • Trompa • Trompa alpina • Trompa de caça • Trompa de postilhão • Trompete • Cornet • Flugelhorn • Trompete piccolo • Tuba • Udu

Madeiras - embocadura livre: Flauta • Flautim • Pífano • Flauta baixo • Flauta de pan • Ney • Kaval • Quena • Shakuhachi • Zampronha • Flageolet • Flauta doce • Ocarina • Pennywistle

Madeiras - Palheta simples: Clarinete • Clarinete baixo • Clarone • Requinta • Sarrusafone • Saxofone

Madeiras - Palheta dupla: Bombarda • Contrafagote • Cornamusa • Corne inglês • Duduk • Dulcian • Dulzaina • Fagote • Gaita-de-fole • Hojok • Museta • Oboé • Oboé d'amore • Shehnai • Suona • Surnay

Palhetas livres: Acordeão • Bandoneon • Concertina • Concertina hexagonal • Gaita • Harmônio • Sheng

Compostos: Gaita-de-fole (palhetas simples e duplas no mesmo instrumento) • Órgão (Todos os tipos acima)

Outras classificações

2008-02-09T19:02:00.000-08:00

A classificação em madeiras e metais é eurocêntrica e apropriada à música erudita, mas deixa de fora uma variedade de instrumentos que não fazem parte da orquestra clássica. Por isso, muitos musicólogos defendem a classificação apenas pelo meio produtor de som:
Embocadura: O som é produzido pela vibração dos lábios do executante. Inclui todos os metais citados acima e mais os didjeridus, berrantes e trompas de chifre ou madeira, entre outros.
Palhetas: divididos em:
Palheta simples: Os mesmos já citados acima.
Palhetas duplas: Os mesmos já citados acima, mais a gaita de foles e vários instrumentos orientais como o surnay, o duduk e o hojok.
palhetas livres: O som é produzido pela vibração livre de uma palheta dentro de uma cavidade, provocada pela passagem do ar. Normalmente não possuem tubos e a afinação depende do tamanho da palheta. Alguns musicólogos consideram que este tipo de instrumento é na verdade uma variação dos idiofones ou lamelafones. Inclui as gaitas, o sheng e vários instrumentos de foles (acordeão, concertina, bandoneón, entre outros) e os tubos palhetados dos órgãos.
Arestas: Que compreende todas as flautas já descritas acima. Divide-se em:
flautas de embocadura aberta: Flauta transversal, flauta de pan, pífano, shakuhachi etc.
flautas de embocadura fechada: flauta doce, apito, pennywistle, ocarina, entre outros.

Madeiras

2008-02-09T19:01:00.000-08:00

Assim como o caso dos metais, o termo madeiras, refere-se à forma de execução e não ao material de que o instrumento é feito. Muitas das "madeiras" são feitas de plástico ou metal. São subdivididos de acordo com a forma de produção de som:
Palhetas simples: Instrumentos que utilizam uma palheta apoiada sobre uma boquilha como meio produtor de som. O músico toca fazendo o ar passar entre o batente da boquilha e a palheta, provocando sua vibração. Os principais instrumentos desse grupo são: a família dos saxofones (composta por sopranino, soprano, alto, contralto, tenor, barítono e baixo) e a família dos clarinetes (o próprio clarinete — em Si♭ ou Lá, a requinta — uma oitava acima e o clarinete baixo ou clarone — uma oitava abaixo)
Palhetas duplas: Possuem uma palheta constituída por duas lâminas finas de bambu, apoiadas uma sobre a outra e fixadas ao instrumento por um tubo cilíndrico (tudel). O Instrumentista toca fazendo o ar passar entre as duas palhetas e provocando sua vibração. Os mais conhecidos são os oboés e os fagotes.
Flautas: Família de instrumentos em que o som é produzido por vibração do ar contra uma aresta. Pode ser de embocadura aberta, como as flautas transversais ou fechada, como o apito e a flauta doce. As flautas não são sempre feitas de madeira, podem também ser de metal (a flauta transversal é de prata ou níquel) ou de plástico (como algumas flautas doces). Este grupo inclui ainda a quena, a flauta de pan, a zampronha, o flautim ou flauta piccolo, o pífano (ou pífaro) e os tubos flautados dos órgãos.

Metais

2008-02-09T19:00:00.000-08:00

Este grupo compreende os instrumentos em que o som é produzido pela vibração direta dos lábios do executante sobre um bocal. O termo refere-se, portanto, à forma de produção sonora e não ao material de fabricação. Existem instrumentos classificados como metais que são feitos de outros materiais, como o shofar, feito de chifre de carneiro.
Os metais mais comuns são: trombone, trompa, bombardino, tuba, sousafone, trompete, fliscorne e corneta de pistões. O oficleide foi o precursor da tuba.

Classificação

2008-02-09T18:59:00.000-08:00

Há várias maneiras de classificar os instrumentos de sopro. A forma mais comum, derivada da formação de uma orquestra sinfônica divide os instrumentos em metais e madeiras.
O que permite a classificação de um instrumento como metal ou madeira é o seu timbre. A diferença entre o timbre dos instrumentos de sopro se dá pela relação entre o comprimento e a conicidade do tubo empregado na sua construção. Nos metais, o tubo é muito extenso em relação à sua baixa conicidade, e o pequeno comprimento em relação à conicidade é uma propriedade do naipe das madeiras.

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Algumas técnicas
Em muitos casos é possível alterar também o timbre do instrumento ou a articulação das notas: sons diferentes podem ser obtidos ao usar meios alternativos de produção de som e em muitos casos são usados acessórios.
Surdina - Na maior parte dos metais, é possível utilizar surdinas, que ao serem encaixadas na câmpanula do instrumento, criam uma obstrução à saída do ar e, ao absorver algumas freqüências, tornam o som abafado. Efeito semelhante pode ser obtido na trompa pela própria mão do trompista que é inserida totalmente na campânula (efeito conhecido como bouché). Muitas vezes os trompetistas usam um lenço de tecido ao invés de uma surdina para obter o efeito de um instrumento tocado à distância.
Whaa-whaa - efeito usado sobretudo por trompetistas e trombonistas no jazz, às vezes para obter um efeito cômico. O músico tampa a campânula do instrumento com a mão espalmada e, durante a nota, move a mão para a frente e para trás obtendo uma variação de timbre e altura simultâneos, como se o instrumento "falasse" uáá-uáá.
Mirlitão - Se uma membrana (ou mesmo um pedaço de papel) for adaptada na boquilha de uma flauta ela vai vibrar solidariamente à nota principal ou ao canto e um som bem diferente, semelhante ao de um instrumento de palheta, pode ser obtido. Este tipo de membrana é chamado de mirlitão. Há um instrumento de brinquedo chamado flauta de mirlitão, mas na verdade este tipo de efeito pode ser aplicado a qualquer flauta.
Acordes em instrumentos melódicos - O instrumentista pode cantar uma nota ao mesmo tempo que produz uma nota pelo meio tradicional do instrumento. O resultado vai ser semelhante a um acorde de duas (e em alguns casos até de três notas, devido a uma ilusão auditiva). Esta técnica é possível na tuba, trompa e trombone sobretudo no registro mais grave desses instrumentos. Também é possível cantar notas na flauta.
Flaterzung - Também na flauta é possível produzir um tremolo ao soprar fazendo um som de rrr ou de frr com os lábios ou com a língua entre os lábios. Este efeito pode ser usado em qualquer estilo musical mas é mais comum na música popular. O frulato combinado ao canto é uma das marcas registradas de Ian Anderson, flautista e vocalista do grupo Inglês Jethro Tull.
Legato e portamento - Várias notas ligadas podem ser tocadas em um único sopro. Ligaduras de portamento podem ser obtidas ao tocar várias notas sem interromper totalmente o sopro entre cada uma delas.
staccato - O sopro é totalmente interrompido pela língua entre uma nota e a próxima. Em muitos casos o músico articula a língua como se dissesse tá-tá-tá. No stacato duplo, usado em passagens muito rápidas, o músico articula como se dissesse tá-ca-tá-ca.
respiração circular - Uma das técnicas mais difíceis de dominar. O músico armazena na boca e libera lentamente o ar, sem interromper o sopro, ao mesmo tempo que inspira pelo nariz. Permite sustentar uma mesma nota por um longo tempo ou executar longas frases sem interrupções. Faz parte da técnica padrão do didjeridu, mas tembém é bastante utilizada por virtuoses de qualquer outro instrumento de sopro.

2008-02-09T18:50:00.000-08:00

Instrumento de sopro

Instrumentos de sopro são instrumentos musicais em que o som é produzido pela vibração de uma coluna de ar. Na organologia moderna que utiliza a classificação Hornbostel-Sachs, os instrumentos de sopro formam uma subcategoria da classe dos aerofones identificada pelo código 42.
De modo geral, a afinação dos instrumentos de sopro dependem do tamanho dos tubos (quando existentes). Quanto maior é o instrumento, mais baixa é a afinação e mais grave é a sonoridade. Em instrumentos que não possuem tubos, como a gaita, o acordeão e outros instrumentos de palheta livre, a afinação depende do tamanho da palheta.
O timbre destes instrumentos depende em geral do meio de produção de som (palhetas, lábios, arestas), do formato e do comprimento dos tubos.
Muitos dos instrumentos de sopro são transpositores. Isso significa que, por razões de construção, a afinação destes instrumentos não se baseia na fundamental Dó, mas em outras notas (as mais comuns são Si♭, Mi♭ e Fá). Como as partituras são feitas geralmente como se o instrumento fosse afinado em Dó, a nota que soa não é a mesma que está escrita. Por essa razão, sempre que um instrumento de sopro é descrito sua afinação é especificada (por exemplo: trompa em Fá, clarinete em Si♭).

Funcionamento
Um instrumento de sopro funciona pela vibração de uma coluna de ar. Em alguns dos instrumentos esta coluna é contida em um ou mais tubos que servem para definir a altura do som e também para amplificá-lo. Em geral quando existe um tubo de tamanho fixo, só as notas da série harmônica são executáveis. Para controlar a altura da nota obtida o executante deve:
Variar a intensidade (e às vezes o ângulo) de entrada do ar no instrumento para alternar entre as notas da série harmônica.
Alterar o comprimento efetivo do tubo. Isso pode ser feito por válvulas de movimento linear (pistões) ou rotativas (como nos trompetes e na trompa) ou variando o conprimento do tubo por um mecanismo deslizante (vara) - como no trombone.
Introduzir furos ao longo do tubo, que permitem aumentar ou diminuir o comprimento de onda ou anular certas harmônicas. Este tipo de mecanismo é usado nas madeiras, como as flautas, clarinetes, saxofones, etc.

Lá Silva "Música , Um encontro com a Paz!

2008-02-09T18:46:00.000-08:00

O que a música sempre traz - e este é o fato mais decisivo - ao campo de visão do filósofo é a sua proximidade da existência Humana, uma característica específica que torna a música necessariamente objeto essencial para todos os que refletem sobre a realização humana.
Natural de Guarulhos - SP. Iniciou a carreira musical aos 8 anos de idade, seu pai, músico tocava trompete, foi aí que deu início ao seu desenvolvimento artístico - musical. Tem formação no Conservatório municipal Heitor Villa - Lobos - SP. Em 1999 Fez os cursos do método suzuki, formação de Banda e Coral, Regência e Terapia musical. Estudou harmonia e instrumentação no consevatorio municipal de Guarulhos - SP. É compositor, Produtor musical, arranjador e instrumentista. Algumas apresentações de destaque em seu currículo: Em 1998 na Argentina para os Presidentes do Mercosul Carlos Menen e Fernando Henrique Cardoso. Também em 1999 na Reabertura do mais antigo teatro de Itaqui - RS. Em 1995 - A Produção Musical os 12 concertistas. Em 1996 participou da formação da banda da 6ª Brigada de infantaria blindada em Santa Maria - RS. Professor La Silva atuou também como presidente da Comissão Julgadora do cicuito de rock RBS – TV Sul Brasileira. Especialidades do Professor La Silva: Além da língua Portuguesa, La Silva tem sua especialização em músicas de lingua italiana, inglesa e espanhola, instrumentos musicais de sopro e coral, fez os hinos da Cidade de Muitos Capões e da Escola Gustavo Vieira de Brito